Galeria Feld

Van Gogh

2012-02-12T01:00:00.000-08:00

Retrato do doutor Gachet - Van Gogh

2012-02-10T01:00:00.000-08:00

Cavalo de Pau - Heather Jansch

2012-02-08T01:00:00.000-08:00

Achei muito interessante este trabalho feito de pedaços de madeira que vem do mar. Eu, sempre que estou na beira do mar, depois de uma maré cheia, no despertar da manhã, saio catando tudo que Deus nos dá. Fico tão abstraída que quando me dou conta atravessei uma praia inteira com o bum bum pra cima.
Mas nas mãos tenho as maiores obras de arte que a natureza torneou.
Meu caminho de volta para a casa, passo por uma mata nativa e, vou enfeitando-a com as própias peças que recolhi. O trabalho de Heather Jansch é maravilhoso, assista o vídeo e aprecie.

Francis Bacon

2012-02-06T01:00:00.000-08:00

Este artista irlandês de nascimento, tratou com uma extraordinária complacência alguns temas que continuam a chocar a nossa vida em grupo. As fantasias masoquistas, a pedofilia, o desmembramento de corpos, a violência masculina ligada à tensão homoerótica, as práticas de dissecação forense, a atracção pela representação do corpo (um especial fascínio pelos fluidos naturais, sangue, bílis, urina, esperma, etc.) e, no geral, com tudo o que está directamente ligado à transgressão seja relacionada com o sexo, a religião (são paradigmáticos os seus retratos do Papa Inocêncio X que efectuou a partir da obra de Diego Velázquez) ou qualquer tabu, foram as peças com as quais Bacon construiu a sua visão "modernista" do mundo.
Nasceu em 28 de Outubro de 1909, em Dublin e sofria de asma. Esta debilidade irritava seu pai, um homem rude e violento, que o costumava chicotear para o "fazer homem". Devido a isto Bacon criou um comportamento de oposição a seu pai. Uma infância difícil, que sempre o influenciou na sua arte e lhe inspirou um certo desdém por essa Irlanda de sua infância, tal como Oscar Wilde e James Joyce.
A sua primeira exposição individual na Lefevre Gallery, em 1945, provocou um choque e não foi bem recebida. Toda a gente estava farta de guerra e de horrores, só se falava da "construção da paz" e as imagens de entranhas dos quadros de Bacon, com os seus tons sanguíneos, provocaram mais repulsa do que admiração.Como homem do seu tempo, Bacon transmitiu a ideia de que o ser humano, ao conquistar e fazer uso da sua própria liberdade, também liberta a besta que existe dentro de si. Pouca diferença faz dos animais irracionais, tanto na vida - ao levar a cabo as funções essenciais da existência como o sexo ou a defecação - como na solidão da morte; representando o homem como um pedaço de carne.

Quadro Chinês

2012-02-04T01:00:00.000-08:00

Este é um famoso quadro chinês, tesouro cultural do país e patrimônio do Museu de Xangai, que leva multidões a apreciá-lo demoradamente.
Pintado entre 1085 e 1145, mede cerca de 24.5m comprimento por 5,28 m altura.
Apreciem-no, deslocando o cursor. Quando aparecerem quadrados brancos, cliquem e vejam a animação:
Acesse:
http://www.npm.gov.tw/exh96/orientation/flash_4/index.html

O retrato de Adele Bloch-Bauer

2012-02-02T01:00:00.000-08:00

Salvador Dali

2012-01-30T01:00:00.000-08:00

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech nasceu às 8h45 da manhã de 11 de maio de 1904, no número vinte da carrer (rua) Monturiolin da vila de Figueres, Catalunha, Espanha. Seu irmão mais velho, também chamado Salvador (nascido em 12 de outubro de 1901), havia morrido de gastroenterite, nove meses antes, em 1 de agosto de 1903". Seu pai, Salvador Dalí i Cusí, era um advogado de classe-média, figura popular da cidade e senhor de um caráter irrascível e dominador, sua mãe, Felipa Domenech Ferrés, sempre incentivou os esforços artistícos do filho.. Dalí também teve uma irmã, Ana Maria, que era três anos mais nova. Em 1949, ela publicou um livro sobre seu irmão, "Dalí visto por sua irmã".
Dalí frequentou a Escola de Desenho Municipal, onde iniciou a sua educação artística formal. Em 1916, durante umas férias de verão em Cadaquès, passadas com a família de Ramon Pichot, descobriu a pintura impressionista. Pichot era um artista local que fazia viagens frequentes a Paris. No ano seguinte, o pai de Dalí organizou uma exposição dos desenhos a carvão do filho na sua casa de família. Sua primeira exposição pública ocorreu no Teatro Municipal em Figueres em 1919.
Em fevereiro de 1921 sua mãe morreu de câncer de mama. Dalí, então com dezesseis anos de idade, disse depois da morte de sua mãe: "foi o maior golpe que eu havia experimentado em minha vida. Eu adorava ela… eu não podia resignar-me a perda de um ser com quem eu contei para tornar invisíveis as inevitáveis manchas de minha alma"Após a morte Felipa Domenech Ferrés, o pai de Dalí casou-se com a irmã de falecida esposa. Dalí não resentiu este casamento, como alguns pensam, pois ele tinha um grande amor e respeito em relação à tia.

Christmas

2012-01-28T16:04:00.000-08:00

Animated Art - Wassily Kandinsky

2012-01-18T01:00:00.000-08:00

The Kandinsky Effect

2012-01-16T01:00:00.000-08:00

Zéphyrin Ferrez

2012-01-04T01:00:00.000-08:00

Gravador e escultor francês, ingressou na Escola de Belas Artes de Paris em 1910, vindo para o Brasil em 1816 com seu irmão, o Escultor Marc Ferrez.

Integrou a missão francesa que veio ao Rio de Janeiro, foi professor de gravura e – como medalhista – especialidade em que se distinguiu, gravou e cunhou as primeiras medalhas executadas no Brasil, entre elas a aclamação de D. João VI, a coroação do Imperador Pedro I, a fundação da Escola de Ensino Mútuo (esta premiada pela Academia).

É autor da estátua de corpo inteiro, em bronze, do Imperador Pedro I e inumeros ornatos e baixos relevos para a fachada da Academia de Belas Artes.

Zeferino da Costa

2012-01-02T01:00:00.000-08:00

Pintor brasileiro, nascido no Rio de Janeiro em 1840.

Professor da Escola Nacional de Belas Artes, em cuja pinacoteca existem vários trabalhos seus, entre eles “Moisésrecebendo as Tábuas da Lei”, “São Batista no deserto”.

Pintou os belos painéis do teto da igreja da Candelária.

Orientou vários artistas, entre eles Castagneto, Oscar Pereira da Silva, Belmiro de Almeida e Henrique Bernardelli.

Feliz 2012!!

2011-12-30T01:00:00.001-08:00

"Desejo que hoje você experimente paz dentro de si, que confie que você se encontra exatamente onde deve estar, que não se esqueça das possibilidades infinitas que nascem da confiança em si mesma e nos outros, que utilize os dons que recebeu, e que transmita, aos outros, o amor que lhe foi dado.
Desejo que você esteja feliz consigo mesma pelo que você é. Deixe esta sabedoria assentar-se em seus ossos e deixe que sua alma cante, baile e ame livremente. Está aí para cada uma de nós."

Vitor Meireles

2011-12-30T01:00:00.000-08:00

Pintor e professor, Vitor Meireles ( 1832-1903 ) nasceu em Florianópolis, Santa Catarina, tendo ingressado na Academia Imperial de Belas Artes, no Rio de Janeiro, em 1847.

Em 1852, conquista o prêmio de viagem à Europa, fixando-se na Itália. Como pensionista do Governo brasileiro, remete grande quantidade de trabalhos originais e cópias à Academia Imperial de Belas Artes. Ainda na Europa, executa "A Primeira Missa no Brasil", hoje pertencente ao acervo do Museu Nacional de Belas Artes, que participou do Salão de Paris em 1861. De volta ao Brasil, é condecorado com a Ordem Imperial da Rosa e nomeado professor honorário da Academia Imperial. Em 1862 assume a cátedra de Pintura Histórica, cargo que exerceu até 1890.

Além do "Combate Naval do Riachuelo" , Vitor Meireles produziu obras históricas importantes, como "A Passagem do Humaitá", também pertencente ao acervo do Museu Histórico Nacional que após restauração pela equipe do Laboratório de Conservação e Restauração está hoje em exposição permanente. A tela retrata outro episódio da Guerra do Paraguai. Também significativas são as obras "A Batalha dos Guararapes" e o "Juramento da Princesa Isabel".

Vincent Willem Van Gogh

2011-12-28T01:00:00.000-08:00

Vincent Willem Van Gogh, nasceu no dia 30 de Março de 1.853.

Viveu 37 anos e só vendeu um único quadro na sua vida chamado: "Vinhas Vermelhas" em Arles.

Começou a dedicar-se a pintura somente aos 27 anos.

Viveu a pobreza absoluta. Passou fome e frio. Só depois de 1.890, após sua morte foi que virou celebridade e seu quadros passaram a valer.

Hoje, seus quadros estão entre os mais caros do mundo, valem uma verdadeira fortuna.

Pintou cerca de 800 pinturas, sendo que numa fúria criativa pintou nos tres ultimos anos de vida mais de 400 telas. Suas pinceladas eram vigorosas e trabalhava com acumulo de tintas. Amarelos intensos e vermelhos vivos, criavam efeitos que expressavam sentimentos.

Essa era a diferença dos impressionistas e Van Gogh. Enquanto os impressionistas usavam a cor para reproduzir imagens, ele aproveitou

os elementos do impressionismo e adaptou de forma proposital para expressar-se com mais vigor.

Van Gogh foi o mais persistente no Pós-Impressionismo. Seu uso abstrato da cor e da forma teria uma influência muito grande em toda a arte

do século XX. Com Van Gogh a emoção voltou a arte.

Título: "Auto-Retrato" 1889

Óleo sobre Tela
Dimensão: 65 cm X 54 Cm
Acervo do Museu d`Orsay em Paris na França

Foi o último dos auto-retratos pintados por Van Gogh. Na época, ele estava internado no asilo Saint-Remy, para onde foi por vontade própria em maio de 1889. Cinco meses antes ele havia tido o incidente com a orelha.

Suas pinturas, nessa fase, mostram uma preocupação com o movimento, expresso em curvas contínuas e ondulantes. Mais uma vez, contudo, a cor tem vida prórpia e, muitas vezes, independente em relação ás formas pintadas pelo artista.

É o que acontece nesse quadro que traz um fundo coberto por espirais em tons de azul e verde com a roupa do artista fundindo-se nele.

Seu rosto se destaca pela barba ruiva, pelos traços tensos e pelo olhar fixo.

Quando enviou o quadro para o irmão Theo, escreveu:

"Espero que repares que a expressão do meu rosto se tornou mais calma embora o olhar esteja menos firme que antes, segundo parece".

Título: "DOZE GIRASSOIS NUMA JARRA" 1888

Óleo Sobre Tela
Dimensão: 91cm X 72cm
Acervo de Bayerisch Staatsgemãdesammlung, Munique na Alemanha.

Estes foram os primeiros girassóis de uma série pintada por Van Gogh, em Agosto de 1.888. Ele havia acabado de se mudar para Arles, na França, e planejava montar uma comunidade artística em sua casa.

Foi em Arles que Van Gogh viveu uma fase de produção espetacular, alternada com suas mais violentas crises de alucinação que o levariam mais tarde a ser internado.

Depois de convidar Paul Gauguin para morar com ele, decidiu renovar a decoração, pendurando meia duzia de quadros de girassóis. Uma decoração na qual amarelos de tons diferentes brilharam sobre fundos variados de azul.

Tudo emoldurado por ripas de madeira pintadas de laranja. Foi assim que escreveu para o irmão Theo.

Doze girassóis numa jarra foi pintado cinco meses antes de Van Gogh cortar um pedaço da própria orelha.

Título: "CAFÉ NOTURNO" 1888

1924 - Óleo sobre Tela
Dimensão: 91cm X 65,5cm
Acervo de Reichsmuseum Krõller-Muller, Otterio - Holanda

De forma muito genial, Van Gogh explorou novas formas de retratar o mundo. No verão de Arles, o pintor decidiu fazer uma experiência pouco comum na época, a

de pintar ao ar livre á noite. Seu objetivo era capturar a atmosfera noturna da cidade.

O café, sob o céu estrelado, aparece extremamente iluminado.

Van Gogh usou um amarelo com força, avermelhado, que contrasta com o azul escuro, e da mesma forma marcante.

Como era comum, depois de concluir o quadro escreveu a irmão para fazer considerações sobre seu trabalho.

Escreveu dizendo:

"Tem café á noite, visto de fora. Uma enorme lanterna amarela ilumina a explanada e lança luz até as pedras da rua". explicou.

"As fachadas das casas dessa rua, que se prolonga sob um céu estrelado, são em azul-escuro ou violeta.

Ai tens um quadro de noite sem preto, só com azul, violeta, verde e amarelo".

Van Gogh, que, então, tinha 35 anos, novamente escapava do lugar comum e fazia das cores sua melhor linguagem: a noite sem o preto.

Ticiano

2011-12-26T01:00:00.000-08:00

Ao contrário de outros gigantes do Renascimento, que excederam seu talento em vários campos da arte e da ciência, Ticiano – ou Titianus, como costumava assinar, por vezes acrescentando à forma latina um p. de pictor, pintor – dedicou-se unicamente à pintura, e por meio dela conquistou glória e riqueza, sentou-se à mesa com príncipes de duques, foi aclamado por papas e reis. Soberano absoluto da Escola Veneziana, ao longo de mais de meio século elaborou uma obra extensa, de colorido inconfundível, composição vigorosa, pincelada ousada e vívida atmosfera. Sua produção, em que predomina o óleo sobre tela, inclui cenas religiosas carregadas de emoção, episódios mitológicos pulsantes de sensualidade e expressivos retratos, não raro tendo ao fundo paisagens banhadas de luz.

Ao visitar Ticiano em 1566, Giorgio Vassari observou que suas primeiras obras foram primorosamente executadas, mas “estes últimos quadros são elaborados com largas e ousadas pinceladas e manchas, de modo que de perto não se pode ver nada, enquanto que a certa distância parecem perfeitos”. Apesar dos exageros, o comentário é verdadeiro: na fase final de sua carreira, Ticiano efetivamente ampliou a pincelada e usou manchas para melhor transmitir a atmosfera que desejava criar. Vários admiradores e clientes não compreenderam a mudança, que interpretavam como sinal de decadência, mas Vassari, pintor experiente, entendeu que a nova técnica, embora desse à obra uma aparência de espontaneidade, demandava trabalho extenuante e, longe de indicar declínio, mostrava o desenvolvimento de um estilo mais livre.

Palma, o Jovem, um dos últimos discípulos de Ticiano, deixou uma vívida descrição dos métodos de trabalho do mestre. Primeiro ele cobria as telas com amplas massas de cor, que constituíam a base da composição, indicando os meios-tons com terra rossa (provavelmente vermelho veneziano) ou com branco. “Com o mesmo pincel, mergulhado em vermelho, preto ou amarelo, trabalhava as partes claras e com quatro pinceladas criava uma figura extraordinária”, relata Palma. Concluído o esboço, Ticiano “colocava o quadro na parede e deixava-o ali durante meses, sem ao menos relanceá-lo, até que o retomava e o examinava com olhar crítico, como se fosse seu inimigo mortal”. Punha-se, então, a trabalhar incansavelmente, fazendo tantas alterações quantas julgasse necessárias.

Quando finalmente se dava por satisfeito, passava os últimos retoques, “por vezes modulando com o dedo os pontos mais luminosos até transformá-los em meios-tons”, ou harmonizá-los com as cores ao redor, por vezes reavivando a composição “com um pouco de vermelho semelhante a uma gota de sangue” ou com uma mancha escura, igualmente aplicada com o dedo (segundo Palma, Ticiano pintava então mais com o dedo do que com o pincel). Dessa forma, “levava a obra a alto estado de perfeição, e, enquanto uma secava, passava para outra”. O mestre nunca pintou uma figura “alla prima”, informa-nos Palma, “e costumava dizer que quem improvisa jamais consegue produzir uma perfeita linha de poesia”.

Embora admitisse que o método produzia “belos e estupendos” resultados, Vassari considerava-o inadequado. Para ele, a maneira correta de pintar começava com a execução de esboços sobre papel, trabalhando-se cuidadosamente cada detalhe da composição; obtido o efeito planejado, transferia-se o desenho para a madeira ou a tela e começava-se a pintar. Este era o método adotado pelos expoentes da Escola Florentina – Leonardo, Rafael e, sobretudo, Michelangelo – e que Ticiano, como os venezianos em geral, parecia ignorar.

Em 1545, Ticiano estava em Roma e um dia recebeu a visita de Michelangelo, que Vassari levara para conhecê-lo. O visitante conversou um pouco, polidamente elogiou a tela Dânae, em que o colega trabalhava, e retirou-se. Então declarou a Vassari que “o colorido e o estilo de Ticiano agradaram-lhe muito, mas achava uma pena os venezianos não aprenderem a desenhar bem desde o começo e não seguirem melhor método em seus estudos”.

Na verdade, os venezianos estavam pouco interessados no desenho. Seguindo o exemplo de Giorgione, primeiro grande pintor da Escola Veneziana, tentavam explorar ao máximo a cor e a luz, e com esse objetivo usavam tonalidades intensas, jogavam com tons quentes e frios, procuravam captar os mais variados efeitos luminosos nas diferentes horas do dia. Ao conceber a composição, deixavam de lado as normas tradicionalmente aceitas e esforçavam-se acima de tudo, para criar uma atmosfera, para transmitir um estado de espírito.

Principal representante da Escola, Ticiano não só concretizou esses ideais com perfeição de gênio, como ainda enriqueceu-os com vigorosa contribuição pessoal. Suas paisagens de fundo, ricas em contraste de tons, conservam o espírito poético de Giorgione, porém suas figuras são mais exuberantes e vitais que as personagens de seu precursor. A composição é mais ousada, a pincelada larga e as manchas decididas ultrapassam a fluida pincelada de Giorgione, ajudando-o a criar atmosferas de maior intensidade, seja no drama violento de um quadro como Tarquínio e Lucrecia, seja na incontida alegria de A Bacanal, seja na mística apoteose de A Ascensão de Nossa Senhora.

Além de contribuir para criar as mais diversas atmosferas, a técnica de Ticiano oferecia-lhe uma vantagem de ordem prática que devia render-lhe bom dinheiro: seus numerosos discípulos podiam incumbir-se dos estágios intermediários da execução, enquanto ele mesmo se punha a planejar a criação de novas obras.

A partir da década de 1540, quando pelo menos trinta de seus discípulos tiveram o nome registrado, Ticiano praticamente não se dedicou a elaboração completa de um só quadro, embora variasse seu grau de participação. Não havia nada de estranho em tal prática, ao contrário, tratava-se de antiga tradição veneziana: os irmão Bellini e os pintores da família Vivarini confiavam a suas oficinas a maior parte das obras que concebiam e depois apenas as retocavam. O próprio talento de Ticiano, contudo, parece que contribuiu para minar o sistema: clientes e críticos mais exigentes esperavam encontrar seu gênio expresso em cada pincelada e muitas vezes decepcionavam-se ao constatar que estavam diante de quadros quase produzidos em série, a marca pessoal do mestre restrita à concepção e aos retoques finais. Como confirma Palma, o Jovem, os verdadeiros amantes da arte aderiam à nova noção do “divino gênio” individual, cuja obra, ainda que apenas esboçada ou inacabada, consideravam mais preciosa que o esmerado produto de uma oficina anônima.

Poucos porém, reclamavam, preferindo adotar a postura de um nobre espanhol que, em 1575, declarou: “Acho que um borrão de Ticiano será melhor que qualquer coisa feita por outro artista”.

Sandro Botticelli

2011-12-24T01:00:00.000-08:00

1444-1510

Alessandro de Filippo, mais conhecido como Sandro Botticelli, pintor da Renascença italiana, nasceu em Florença. Botticelli estudou com Frei Filippo Lippi, artista de talento e prestígio. Suas pinturas se distinguem pelas linhas claras, pelo colorido delicado, pela decoração intensa e pelo sentimento poético. Ele produziu dois tipos de obras. O primeiro demonstra seu amor básico pelo esplendor mundano e alegre; suas pinturas deste tipo têm geralmente temas mitológicos; um dos mais famosos é o Nascimento de Vênus.

Seu outro tipo revela um sentimento mais sério e controlado, como por exemplo suas ilustrações da Divina Comédia de Dante e suas pinturas religiosas. As inovadoras interpretações do artista para ambos os temas refletem um nível de sofisticação que supera de longe a de seus contemporâneos. Durante toda a vida, Botticelli gozou de alta estima e do apadrinhamento dos Médici, a família que governava Florença.

No fim da década de 1490, em Florença, ficou tão impressionado pela pregação de Savanarola contra o mundanismo que queimou algumas de suas pinturas e depois disto pintou apenas temas religiosos. Entre suas pinturas estão: afrescos na capela Sistina, a madona chamada Magnificat, A Adoração dos Magos, o retrato de um Médici, entre outros. Pobre, solitário e esquecido, Botticelli morreu em maio de 1510.

Rogier van der Weyden

2011-12-22T01:00:00.000-08:00

O nome de Rogier van der Weyden esteve, ao longo da história, seriamente ameaçado: como nunca assinou nem datou seus trabalhos, eles foram confundidos com os de contemporâneos seus, como Van Eyck e outros homônimos, também pintores, na Bélgica flamenga do século XV; e críticos chegaram a levantar a hipótese de que ele nem teria existido. Assim, não fosse a descoberta de documentos a seu respeito, em meados do século XIX, seria impossível reconstituir sua trajetória. Homem de grande religiosidade e de vida familiar impecável, sua obra desde cedo também se caracterizou pela sobriedade e por um realismo austero, conjugado a uma precisão de traços quase naturalista.

Pelo que se sabe, Van der Weyden teve uma vida pacata e sem sobressaltos, recebeu muitas honrarias e encomendas prodigamente remuneradas. Como pintor e como cidadão estava longe de ser revolucionário: seu trabalho e sua conduta jamais ultrapassaram os cânones estéticos e morais vigentes em sua época e em sua terra. Mas, no que fez, foi brilhante.

Retrato de Filipe, o Bom com a insígnia da Ordem do Velocino de Ouro

Nasceu por volta de 1399, na cidade de Tournai, na Bélgica, filho de um cuteleiro ou de um escultor — não se sabe ao certo.

Dos dados oficiais sobre sua vida, concluiu-se que, por volta de 1427, era aprendiz do pintor Robert Campin, ainda em Tournai. Essa iniciação artística deve ter durado cerca de cinco ou seis anos, época em que ele se dedicou a copiar esculturas e portais de igrejas, como era costume. Esses exercícios deixariam marcas duradouras em suas pinturas, tanto pela inclusão de motivos arquitetônicos como na plasticidade de suas figuras. Nessa mesma época, supõe-se que Van der Weyden tenha estado em Bruxelas, onde se casou com Ysabel Goffaerts, com quem teria dois filhos: Cornélio e Pedro.

A idade de 26 ou 27 anos era considerada já um pouco tardia para a iniciação artística, e é provável que ele já trabalhasse com Campin e que, então, tenha se matriculado como aprendiz apenas para preencher as condições exigidas de um professor independente: a Associação dos Pintores de Tournai só qualificava um artista como mestre depois de um aprendizado formal de quatro anos. Parece, no entanto, que Rogier prolongou seu curso por cinco anos, já que seu registro como mestre data de 1432.

Na Tournai de língua francesa, Rogier era conhecido como "de la Pasture", nome traduzido para Van der Weyden quando ele se transferiu para Bruxelas, capital do Ducado de Brabante, em 1435. Foi tão bem-sucedido que já no ano seguinte era nomeado pintor oficial da cidade — seria, aliás, o último artista a receber tal distinção, extinta depois de sua morte.

UM HOMEM SEDENTÁRIO

O novo título o conduziu a encomendas oficiais, como os quatro grandes painéis sobre a Justiça, pintados na sala do tribunal da Prefeitura. Ilustravam a Justiça de Trajano e Herkinbald, o legendário Duque de Brabante, e destinavam-se a servir de lembrança aos juízes sobre seus ancestrais ilustres. Era um projeto enorme e deve ter consumido muitos anos de tra¬balho: o primeiro painel data de 1439 e presume-se que os outros tenham sido terminados no decorrer da década de 1440. (Seriam destruídos pelos soldados de Luís XIV, em 1695.) No entanto, parte de seu esplendor pode ser medida numa tapeçaria atualmente exposta em Berna, que inclui o retrato do próprio Van der Weyden.

A dor da Virgem está expressa com extremo realismo: pela palidez e pelos olhos inchados de tanto chorar

O cargo de pintor oficial não o impedia de aceitar outros trabalhos. Assim, trabalhou também para o Duque de Borgonha, Filipe, o Bom (1396-1467), e produziu retratos famosos que só chegariam até nós em cópias — de Filipe e de seu sucessor, Carlos, o Temerário. Membros da corte de Borgonha, entre eles o filho ilegítimo de Filipe, Antonio, também lhe solicitaram retratos, com o objetivo de terem a própria imagem eternizada em quadros votivos. Outras encomendas para obras públicas chegavam às mãos de Van der Weyden, especialmente os grandes retábulos: O Juízo Final, por exemplo, foi pintado a pedido do chanceler de Borgonha, Nicholas Rolin, para seu hospital (Hôtel-Dieu) em Beaune.

Nessa época não havia divisão entre patrões seculares e eclesiásticos, pois tanto os bispos como os dirigentes religiosos vinham das mesmas famílias nobres; outras vezes, também estavam a serviço do Duque de Borgonha, como Jean Chevrot, bispo de Tournai entre 1436 e 1460, que encomendou a Van der Weyden o Retábulo dos Sete Sacramentos, e foi incluído entre as figuras da composição. Mas o acesso a Van der Weyden não era privilégio dos dignitários da Igreja e do Estado, estendendo-se a qualquer um que pudesse pagar por seus trabalhos. O Tríptico de Santa Columba, por exemplo, hoje em Munique, foi solicitado por um dos mais prósperos comerciantes de Colônia. Havia também as encomendas de sociedades, tal como a da Associação dos Arqueiros de Louvain, para a qual Van der Weyden pintou A Deposição.

Retrato de uma Jovem

Ele não precisava viajar em busca de trabalho, pois, desde que se instalou em Bruxelas, saiu dali apenas uma vez — segundo os registros: em 1450 esteve em Roma, onde proclamou Gentile da Fabriano o maior pintor da Itália na época. Sentia-se seguro para emitir tal juízo após examinar os afrescos de Gentile na Basílica Lateranense, em Roma (também destruída). Pouco an¬tes de 1450, acredita-se que estivera em Ferrara, onde o Marquês Leonello d'Este lhe encomendou algumas obras. Ainda antes de chegar a Roma, os historiadores presumem que Van der Weyden teria estado também em Milão e Florença. Essa hipótese surgiu devido à transformação que se processou em sua pintura: muito da dramaticidade e da plasticidade incorporadas às obras do período seguinte a 1450 teriam origem na visita do pintor à Igreja del Carmine, em Florença, onde os afrescos de Masaccio muito o impressionaram.

PRESTÍGIO E AUSTERIDADE

Como Van der Weyden não costumava viajar, os outros artistas tinham que vir até ele. Em 1460, por exemplo, a Duquesa de Milão enviou seu pintor da corte, Zanetto Bugatto, para estudar em Bruxelas. Além da técnica de composição, Bugatto estava ansioso por aprender a técnica da pintura a óleo que permitia maior realismo nos retratos e ainda era praticamente desconhecida na Itália.

Mas a temporada de Bugatto em Bruxelas não passou sem estremecimentos. Segundo um relatório dos embaixadores de Veneza nos Países Baixos, Bugatto e Van der Weyden teriam se desentendido e o pintor flamengo só aceitou seu discípulo de volta depois de uma intervenção de nada menos que o exilado delfim da França, futuro Luís XI. O motivo da briga parece ter sido o gosto exagerado de Bugatto por vinho.

A Virgem e o Menino no Nicho

Esta passagem, além de ilustrar a austeridade de Van der Weyden, ilustra também a dimensão de suas relações sociais. Prestigiado e rico, ele pertencia à respeitada confraria de Santa Cruz da Igreja de Saint Jacques-sur-Coudenberg ganhava o suficiente para investir não apenas em fundos em Tournai como também para oferecer generosas doações às instituições religiosas, especialmente para os Conventos de Scheut Herinnes, onde seu filho Cornélio era monge. São apenas esses os fatos que se conhecem a seu respeito. Outras informações não resistem a um estudo mais aprofundado. Sabe-se, por fim, a data de sua morte em Bruxelas: 18 de junho de 1464. Foi enterrado em Sainte Gudule, a Catedral de Bruxelas.

Rafaello Santi

2011-12-20T01:00:00.000-08:00

Rafael
(1483 - 1520)

Rafael, também conhecido por Rafaello Santi ou Rafaello Sanzio, nasceu em Urbino em 1483. Pintor renascentista italiano, considerado um dos maiores e mais importantes artistas de todos os tempos, recebeu do seu pai, o pintor Giovanni Santi, a sua primeira instrução artística. Em 1499, tornou-se estudante e assistente do pintor Perugino, o qual seguiu fielmente. Os seus estilos artísticos eram tão semelhantes que historiadores de arte sentiram dificuldades em distinguir as suas pinturas.

Em 1504, mudou-se para Florença. Nessa época, influenciado pelas inovações artísticas de Leonardo da Vinci e Miguel Ângelo, Rafael transitou de um estilo assente na perspectiva e na composição geométrica rígida para uma maneira mais informal, natural e suave de pintar.

O trabalho de Rafael chamou a atenção do Papa Júlio II que, em 1508, o chamou a Roma e o encarregou da pintura de frescos em quatro pequenas salas (stanze) do Palácio do Vaticano: a "Stanza della Segnatura" , a "Stanza di Eliodoro", a "Stanza dell' Incendio di Borgo" e a "Stanza di Constantino". Rafael morre aos 37 anos de idade, no dia 6 de Abril de 1520, não podendo acabar as pinturas já projectadas para a quarta sala.

Na "Stanza della Segnatura" (Sala da Assinatura), sala utilizada como biblioteca e onde Júlio II assinava os decretos da corte eclesiástica, foram pintados frescos que representavam as quatro disciplinas fundamentais da cultura, isto é, a Teologia, a Filosofia, a Poesia e a Jurisprudência. Um dos episódios retratados nesta sala, que representa a ciência secular da Filosofia, e que foi alvo da nossa atenção, é a famosa "A Escola de Atenas".

Na cidade de Atenas, no ano 387 a.C., o filósofo e matemático grego Platão fundou uma academia de estudos científicos e filosóficos. Essa academia tornou-se um dos mais importantes centros de pesquisa e ensino da Matemática e Filosofia da Antiguidade Clássica, tendo funcionado durante 900 anos, até ao seu encerramento definitivo pelos cristãos. No entanto, a Academia permaneceu sempre como um dos maiores símbolos da busca racional da verdade e, em especial, como um símbolo para os estudos matemáticos teóricos.

O fresco "A Escola de Atenas" é uma alegoria que representa a continuidade histórica do pensamento da Academia de Platão através de várias personalidades do mundo matemático e filosófico grego.

Nesta pintura, Rafael representou os maiores pensadores de todos os tempos, especialmente os da Grécia Antiga onde alguns deles estão personificados em homens famosos do renascimento. Platão é parecido com Leonardo da Vinci, Euclides com Bramante e Miguel Ângelo tem o aspecto de Heraclito. Talvez fosse uma maneira de Rafael ligar o passado ao presente e de prestar homenagem aos seus grandes contemporâneos.

Platão era um seguidor da doutrina da escola Pitagórica e, como tal, os estudos na sua escola davam grande ênfase aos números, principalmente no que diz respeito a questões de razões e harmonias. Sabendo isso, Rafael, no grupo dos geómetras, colocou Pitágoras à esquerda, como representante da Teoria da Harmonia, e Euclides à direita, representando a perfeição lógica da Geometria.

Na «A Escola de Atenas» Rafael deu grande ênfase à matemática, em particular, ao número, à razão e à harmonia.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

2011-12-18T01:00:00.000-08:00

Rembrandt (1606-1669), artista holandês do barroco, excepcional intérprete da natureza humana e mestre na técnica não só do desenho, como da gravura. Talvez nenhum pintor o tenha igualado na utilização dos efeitos de claro-escuro ou no vigor da pincelada.

Primeira fase

O estilo de suas primeiras pinturas, realizadas na década de 1620, denota a influência de seu mestre, Pieter Lastman, na escolha de temas de muita dramaticidade, nas composições com grande profusão de elementos e nos contrastes de luz e sombra muito marcantes. Em Nobre escravo (1632), observa-se sua predileção por trajes exóticos, elemento característico de muitas obras da primeira fase.

A magnífica tela Retrato de casal (1633) evidencia o estilo de seus primeiros retratos: preocupação com os trajes dos personagens, os detalhes das roupas e a decoração residencial.

Uma das primeiras encomendas oficiais que recebeu em Amsterdã foi A lição de anatomia do doutor Tulp (1632), que representa uma aula prática de dissecação.

Fase intermediária

Muitas das obras realizadas na década de 1640, revelam influência do estilo e do espírito do classicismo, como o Auto-retrato (1640) inspirado em trabalhos de Rafael e Tiziano, que reflete sua assimilação do classicismo tanto na organização formal como na expressão de paz interior.

O retratos em grupo aperfeiçoaram-se em riqueza e complexidade. Sua Ronda noturna (1642) representa a atividade irrequieta de um destacamento militar, concentrado atrás do chefe, em preparativos para um desfile ou um torneio de tiro.

Última fase

As obras mais importantes de Rembrandt pertencem a suas duas últimas décadas, quando já não lhe importavam a dramaticidade barroca, o esplendor externo, e os detalhes superficiais. Os auto-retratos, os retratos individuais ou coletivos e as obras religiosas e históricas demostram uma preocupação com o temperamento e as qualidades espirituais. Sua paleta adquire um colorido mais rico e a pincelada se torna cada vez mais vigorosa, como se pode verificar em O artista em idade avançada (1669), José e a Mulher de Putifar (1655) e A volta do filho pródigo (c. 1669), obras de grande emotividade.

Obra gráfica

Trabalhos magníficos de sua última fase são Natã censurando Davi (entre 1655 e 1656), feito a bico de pena, e Mulher dormindo (c. 1655), desenho a pincel de grande força expressiva, considerado uma de suas obras mais extraordinárias.

Suas gravuras mais impressionantes dessa época são Retrato de Jan Six (1647), Cristo curando um enfermo (entre 1642 e 1645) e a poética paisagem Três árvores (1643).

Pietro Pauolo Rubens

2011-12-16T01:00:00.000-08:00

Rubens teve uma vida atribulada e extremamente produtiva. Artista, diplomata e chefe de família, ainda encontrava tempo e disposição para ensinar e comandar uma oficina ativa e prolífica.

Ironicamente, o mais célebre pintor da escola flamenga não conheceu Flandres antes dos 10 anos de idade, pois nasceu e cresceu na região da Vestfália, em terras germânicas. Seu pai, Jan Rubens, jurista de renome, fugira de Antuérpia em 1568 para escapar à perseguição religiosa (embora nascido católico, era suspeito de ter simpatias calvinistas), estabelecendo-se em Colônia. Ali se tornou conselheiro jurídico de Ana da Saxônia, casada com Guilherme, o Taciturno, Príncipe de Orange. Jan e Ana tiveram um romance, e ela engravidou. Não fosse a intervenção de sua esposa, Maria, mulher corajosa e de caráter resoluto, ele provavelmente teria pago o adultério com a vida. Graças a ela, sua pena foi bem mais branda: o banimento puro e simples para a cidadezinha de Siegen, na Vestfália; ali, em 28 de junho de 1577, nasceu o sexto dos sete filhos de Maria. A criança foi batizada com o nome de Peter Paul — em flamengo, Peeter Pauwel — embora adulto ele costumasse assinar adotando a forma italiana, Pietro Pauolo.

O Duque de Lerma - 1603

Foi permitido à família retornar a Colônia no ano seguinte, e em março de 1587 Jan Rubens morreu. Logo depois, a viúva Maria decidiu voltar a Antuérpia com os três filhos que ainda restavam — Peter Paul, seu irmão Philip, três anos mais velho, e uma irmã, Blandina, com cerca de 20 anos (três haviam morrido na infância, o filho mais velho abandonara a família). Os meninos já haviam recebido do pai os princípios de uma boa educação e, para completar sua formação, foram matriculados numa escola latina.

Em 1590, a vida escolar de Peter Paul chegou ao fim, e ele passou a viver à própria custa. Com 13 anos, tornou-se pajem da família da Condessa de Lalaing. Ali assimilou os modelos da vida cortesã, que se revelariam de grande utilidade no futuro. No entanto, não permaneceu com a condessa por muito tempo, pois já havia decidido seguir a carreira artística, inscrevendo-se como aprendiz de pintor no estúdio de Tobias Verhaecht, um parente por afinidade.

O APRENDIZADO DE RUBENS

Rubens estudou por breve período com Verhaecht antes de transferir-se para o estúdio de Adam van Noort. Passou cerca de cinco anos ali e, em seguida, foi para o estúdio de Otto van Veen, a fim de completar seu aprendizado. Bons mestres mas pintores medíocres, é difícil saber em que medida exerceram influência sobre o jovem aprendiz, mesmo porque subsistiram poucos trabalhos de Rubens desse período. Dos três, é possível que Van Veen tivesse mais afinidade com Rubens. Vivera em Roma, e seu amplo e sólido conhecimento da arte italiana plasmou sua carreira.

Já em 1598 a Associação de Pintores de Antuérpia admitiu Rubens como um dos seus, reconhecendo nele um pintor consumado. Em 9 de maio de 1600, aos 22 anos, influenciado pelo mestre, partia para a Itália. Foi de início para Veneza, onde teve sorte o bastante para conhecer um empregado de Vincenzo I, duque de Mântua, e impressioná-lo com seus desenhos. O duque também gostou muito dos trabalhos de Rubens e imediatamente o contratou.

Vincenzo Gonzaga era um notório patrono das artes, e trabalhar para ele possibilitou a Rubens conhecer vários dos maiores tesouros da arte italiana. O acervo artístico do Palácio Ducal, em Mântua, era magnífico, e uma das atribuições de Rubens consistia em fazer réplicas de pinturas famosas de outras localidades, para enriquecer ainda mais o acervo. No espaço de dois anos visitou os principais centros da arte italiana, incluindo Florença e Roma. Sua primeira visita à capital estendeu-se do verão de 1601 à primavera de 1602, e foi nessa época que recebeu sua primeira encomenda oficial: três retábulos para a Capela Santa Helena da Igreja de Santa Croce in Gerusalemme (Roma).

São Jorge e o Dragão – 1606/10

Em 1603 o Duque Vincenzo confiou a Rubens sua primeira missão diplomática: levar presente a Felipe III da Espanha, país que dominava politicamente os Países Baixos. A família real espanhola possuía uma coleção sem paralelo de obras dos grandes mestres venezianos, sobretudo de Ticiano, de modo que Rubens pôde incrementar sua formação artística.

No ano seguinte, retornava a Mântua. Mas os momentos mais produtivos do restante de sua temporada na Itália se deram em Roma. Viveu lá, com intervalos, de dezembro de 1605 a outubro de 1608. Nesse segundo período romano, Rubens continuou seu diligente estudo da arte do passado e do presente, enquanto compartilhava uma casa com seu irmão Philip, que era então bibliotecário do Cardeal Colonna.

Gozava de uma reputação crescente e tinha bons contatos, de forma que, em 1606, obteve um encargo de prestígio: pintar o altar-mor da Igreja de Santa Maria in Vallicella, conhecida como Chiesa Nuova. Mas não obteve pleno êxito. Sua primeira tentativa foi julgada insatisfatória, pois a luz se refletia sobre a pintura de maneira desagradável; assim, Rubens fez uma outra, em tom azul-acinzentado, menos sujeita a reflexos de luz. Tão logo concluiu o trabalho — era outubro de 1608 — recebeu notícias de Philip, então de volta a Antuérpia, de que sua mãe estava gravemente enferma. Viajou sem demora para junto da mulher doce e resignada que era Maria Rubens, mas ela morreu antes de sua chegada.

RETORNO A ANTUÉRPIA

Antes de Rubens retornar a Antuérpia, o Arquiduque Alberto de Habsburgo, regente dos Países Baixos, escrevera para Vincenzo Gonza¬ga requisitando a liberação do jovem artista pa¬ra trabalhar a seu serviço. Foi assim que, em 1609, Rubens assumiu o posto de pintor da corte de Habsburgo; segundo suas próprias palavras, "foi preso pelos grilhões do ouro". Criou laços mais ternos naquele ano, ao se casar com Isabella Brandt, de 17 anos, filha de um eminente advogado e humanista de Antuérpia e sobrinha da mulher de Philip Rubens.

Em pouco tempo foi assediado por alunos desejosos de estudar com ele e logo estabeleceu e consolidou sua reputação, não apenas como o principal pintor do norte da Europa, mas também como eficiente e empreendedor homem de negócios, à frente de sua oficina. As obras que proclamaram seu gênio de forma mais retumbante foram dois grandes retábulos — 0 Levantamento da Cruz (1610/11) e A Descida da Cruz, que revelam seu domínio absoluto do estilo grandioso dos italianos, ou seja, da forma de tratar temas elevados em termos heróicos. No plano doméstico, sua vida também floresceu. Em 1610 comprou um terreno onde ergueria uma casa de esplendor quase palaciano; no ano seguinte nascia Clara Serena, a primogênita dos quatro filhos com sua mulher Isabella.

As Três Graças – 1639

Por essa época, Rubens lançou-se num novo e ambicioso empreendimento: a reconstrução e redecoração de inúmeras igrejas dos Países Baixos, durante a suspensão das hostilidades entre os povos do Norte — protestantes — e os do Sul — católicos (atuais Holanda e Bélgica). Isso ocorreu entre 1609 e 1621. Já rico e famoso, as encomendas se avolumavam em seu estúdio. Rubens foi capaz de executá-las apenas em virtude de sua inacreditável energia e poder de organização. E bem verdade que seus assistentes faziam grande parte do trabalho, enquanto o mestre dava os toques finais. De forte constituição física, trabalhava por longas horas e levantava-se às 4 da manhã para ir à missa. Seus hábitos simples e sistemáticos faziam de seu cotidiano algo rigorosamente organizado. Enquanto trabalhava, alguém lia em voz alta clássicos gregos e latinos, ritual, entrecortado apenas por uma refeição ligeira. Às 5 horas concluía sua jornada, saindo para cavalgar, conversar com amigos e beber. Humanista, interessava-se pela cultura de seu tempo, que se refletia na imensa biblioteca de sua casa.

A maior encomenda que recebeu em Flandres foi a decoração da igreja jesuíta de Antuérpia. Rubens já havia supervisionado a colocação das esculturas, e em 1620 concordou em criar 39 pinturas, a maioria executada por seus assistentes (entre outros, o jovem Van Dyck). Tragicamente, todas as pinturas foram destruídas num incêndio ocorrido em 1718, mas muitos esboços subsistem ainda hoje.

Chegavam também grandes encomendas do exterior, e não apenas de obras religiosas. Pouco depois de concluir a decoração da igreja jesuíta, projetou um jogo de doze tapeçarias contando a História do Imperador Constantino para Luís XIII da França; entre 1622 e 1625, executou uma série de 25 imensas telas encomendadas pela Regente Maria de Médicis, para a decoração de seu novo palácio (o Luxemburgo) em Paris. E uma das mais grandiosas realizações de Rubens. Aqui, ele mescla história, alegoria e a pintura de retratos, no intuito de homenagear a vida inglória de Maria.

Retrato de Suzanna Fourment – 1620/25

Em 1626, na época em que atingia o auge da fama, faleceu Isabella, sua mulher. Embora abalado com a perda, não caiu em depressão e dirigiu suas energias não apenas para a pintura mas novamente para a diplomacia. Seu conhecimento de línguas foi de bom proveito nessa função. Dominava tão bem o italiano quanto o flamengo e conhecia ainda o francês, o alemão e o espanhol, bem como o latim, que ainda era uma língua internacional. A partir da morte do Arquiduque Alberto, em 1621, tornou-se conselheiro de confiança da Infanta Isabella, para quem viajou em missão diplomática à Espanha em 1628/29 e à Inglaterra em 1629/30. Em Londres negociou a paz entre os dois países e foi feito cavaleiro por Carlos I. Encantado com seu trabalho, o rei encomendou uma série de pinturas para decorar o teto da Sala de Banquetes de Whitehall. Rubens pintou os quadros em Antuérpia e só em 1635 concluiria o trabalho.

Nesse meio tempo, mais precisamente em 1630, Rubens casou-se novamente. Tinha 53 anos. Sua mulher, Hélène Fourment, filha de um próspero comerciante de sedas e sobrinha da primeira mulher, contava apenas 16. Do primeiro casamento haviam sobrevivido dois filhos. Hélène lhe deu mais cinco.

UM RECOLHIMENTO ATIVO

Em 1632 abandonou definitivamente as tarefas diplomáticas e, em 1635, comprou uma bela casa de campo, o Château de Steen, onde passava a maior parte do tempo dedicando-se à sua mais recente paixão: o paisagismo. Ainda trabalhava arduamente no estúdio de Antuérpia, e a demanda de pinturas era intensa. Em 1636 recebeu uma de suas mais vultosas encomendas: 120 telas com motivos mitológicos para a Torre de la Parada, um pavilhão de caça de Felipe IV da Espanha. Grande parte do trabalho final foi executado pelos assistentes, pois Rubens se vira impedido de pintar com a mesma intensidade desde que seu braço direito fora afetado pela gota. Surge o interesse pela perpetuação pictórica de sua imagem e, semi-inválido, faz um auto-retrato. E uma de suas últimas obras. Em 30 de março de 1640, Rubens morre em sua casa de Antuérpia. Estava com 62 anos. Oito meses depois, Hélène dá à luz seu último filho.

Piero della Francesca

2011-12-14T01:00:00.000-08:00

Talvez, seja, hoje, o pintor italiano mais reverenciado de sua época. A celebridade, porém, é bem recente. Em seu tempo era conhecido como matemático, teórico da arte, além de pintar, mas no século XVII ficou quase esquecido. Apenas no século XX a pureza austera de suas formas e o completo domínio da luz e da cor passaram a ser devidamente apreciados.

A demora para que Piero della Francesca subisse à galeria dos grandes artistas reflete a relativa obscuridade de sua carreira. Passou grande parte da vida na pequena Borgo San Sepolero, cidade toscana, e na vizinha Arezzo. E, apesar de ter transitado por eminentes cortes renascentistas, nunca gozou do mesmo prestígio artístico de seus ilustres contemporâneos. Hoje, no entanto, os afrescos de Arezzo são reconhecidos como um dos grandes tesouros da arte.

Altamente individual, o estilo Piero della Francesca é bem diferente da pintura dos artistas italianos do século XV. Em lugar do detalhe figurativo e da ornamentação graciosa, ele propõe a harmonia geométrica e uma austeridade clássica que remontam à escultura grega.

São esses aspectos, aliados a seu poder de captar as nuances da luz e à rica harmonia das cores – porque foi um grande colorista e inigualável no tratamento da luz - , que tornam sua obra tão atraente hoje. Uma obra que busca a celebração religiosa por meio de um diálogo solene e eterno entre o humano e o divino.

Profundamente imerso na sofisticada cultura humanística de Florença, Urbino e Arezzo, muitas das pinturas de Pierodella Francesca conservam, contudo, um poder quase primitivo. A virgem da Madona do Parto, as figuras de Adão e Eva já velhos representadas em A Morte de Adão e os músicos angelicais de A Natividade parecem espelhar um ideal de humanidade ao mesmo tempo simples e sublime. No conjunto, a obra de Piero della Francesca é um cortejo solene, majestoso e estático de figuras monumentais, permeadas de grave dignidade, imersas numa contemplação mística e dispostas segundo rígida geometria.

A quase totalidade de sua obra é constituída de temas religiosos, com freqüência representados dentro da estrutura tradicional do retábulo. Mas não é uma arte convencional. O que o observador apressado não vê é que, em termos conceituais, sua obra não pretende ser meramente uma exaltação religiosa. Vai além. Exprime o desejo de aproximar-se do conhecimento de Deus mediante a sacralização da vida humana.

O mérito notável de sua originalidade técnica se apóia na maestria no uso da perspectiva – o primeiro, aliás, a tentar uma sistematização nesse campo. Essa preocupação pode ser admirada nos detalhes arquitetônicos de pinturas como Flagelação de Cristo e em A Virgem e o Menino com Santos e Anjos, conhecida como o retábulo de Brera. O piso e o teto recuados da galeria, no primeiro, e a abside de mármore que emoldura a Virgem, no segundo, foram pintados com incrível precisão, intensificada pela representação exata da luz e sombra.

Sabe-se pelos tratados teóricos de Piero della Francesca que esse resultado era fruto de rigorosa pesquisa matemática. O astista, no entanto, raramente buscava o virtuosismo em si. Em Ressurreição de Cristo ele usou uma perspectiva dupla: os soldados diante do sepulcro são vistos de baixo para cima, representados em tamanho reduzido, enquanto a parte superior do quadro pressupõe um ponto de vista na altura do rosto de Cristo. Isso porém, é mais do que uma demonstração de habilidade técnica. É parte do conteúdo emocional e simbólico desse afresco, que contrapõe a letargia do mundo humano ao despertar de um milagroso do ressuscitado.

O rosto e o vulto deste Cristo são um bom exemplo da representação de Piero della Francesca do corpo humano. Embora suas figuras de homens e mulheres por vezes possam parecer inexpressivas à primeira vista e as posturas quase sempre pareçam mais contemplativas do que ativas, sua vitalidade e nobresa são inquestionáveis. Além disso, ao lado da magistral habilidade para criar figuras ideais e heróicas, Piero demonstrou, enquanto retratista, que conseguia captar o caráter distintivo, único do modelo. Os retratos do Duque e da Duquesa de Urbino incluem-se entre as mais memoráveis imagens do Renascimento.

O talento de Piero della Francesca como retratista, porém, é menos importante que seu poder de sugerir algo mais arquetípico e atemporal na forma humana.

O jovem louro de Flagelação de Cristo e os anjos de O Batismo de Cristo e de A Natividade compartilham de uma serenidade reminiscente da escultura grega. Sabemos que Piero della Francesca, como outros artistas do Renascimento, utilizava-se de modelos vestidos em trajes leves, a fim de estudar o caimento dos tecidos e a maneira como a luminosidade incidia sobre eles. E podemos apontar algumas características particulares – os pés, por exemplo, cuja firme aderência ao chão é tão convincente em todos esses casos – como segredos da arte de Pierodella Francesca. Contudo, tais detalhes não podem, por si só, explicar a visão arquetípica subjacente que o pintor transmitiu de forma tão notável.

Outro aspecto dessa mesma visão – e talvez o que proporcione o prazer mais imediato e intenso – é a harmonia das cores. Apesar de danificados, os afrescos de Arezzo nunca deixam de surpreender pelo fulgurante frescor. Em Vitória de Constantino sobre Massenzio, a paleta até então restrita de Piero della Francesca atinge intensidade sinfônica. A mesma harmonia permeia as cores das vestes em Flagelação de Cristo e unifica dois anjos na Madona do Parto, cujos gestos e vestimentas estão como que refletidos numa heráldica imagem espelhada.

Mais característico ainda do estilo de Piero della Francesca é o sentido etéreo do espaço criado pela luz que ilumina os céus e se prolonga pelas paisagens.

Aqui Piero della Francesca em larga medida abre mão da perspectiva, usando a cor numa forma que antecipa os impressionistas. Em A Natividade, suas figuras angelicais e humanas estão ousadamente agrupadas contra um panorama rural que se perde na distância. O mesmo efeito é obtido de maneira ainda mais audaciosa do Díptico do Duque de Urbino, no qual nenhum fundo intermediário é colocado entre os perfis dos retratados e a paisagem idealizada de seus domínios. As terras aparecem bem embaixo e atrás de ambos, banhada pela luz clara e radiante do céu italiano.

Pedro Alexandrino Borges

2011-12-12T01:00:00.000-08:00

Pintor conhecido pela temática da natureza morta. Com onze anos começou a trabalhar com o decorador francês Claude Paul Barandier na decoração da Catedral de Campinas e durante sua carreira com outros nomes da arquitetura e decoração da época, decorando casas particulares e igrejas.

Iniciou seus estudos com o pintor José Ferraz de Almeida Júnior aos vinte e sete anos. Recebeu pensão do Governo do Estado de São Paulo em 1887 indo estudar no Rio de Janeiro, na Academia Imperial de Belas Artes, tendo como mestres José Maria Medeiros (Desenho) e João Zeferino da Costa (Pintura). Retornou a São Paulo sem ter concluído o curso na Academia; voltou a estudar e trabalhar com Almeida Júnior.

Em 1894 participou da Exposição Geral de Belas Artes no Rio de Janeiro, onde foi premiado. Nesse ano abriu ateliê na Rua Lavapés em São Paulo. Expôs em 1895 juntamente com Almeida Júnior, no ateliê deste na Rua da Glória em São Paulo. Neste ano participou da Exposição Geral de Belas Artes no Rio de Janeiro e foi novamente premiado.

Foi professor de Desenho do Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo. Com bolsa do Governo do Estado de São Paulo foi à França para completar seus estudos. Dentre seus mestres estão: Renè Chrètien, Vollon e Monroy. Participou dos salões de Paris de 1889 a 1903. Regressou ao Brasil em 1905 quando abriu um ateliê na Rua Sete de Abril em São Paulo. Nesse ano também realizou exposição individual no Liceu de Artes e Ofícios.

Foram seus discípulos: Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Aldo Bonadei, Renèe Lefèvre e Alice Gonçalves, entre outros.

Paul Cézanne

2011-12-10T01:00:00.000-08:00

Visto por muitos como o primeiro artista verdadeiramente moderno, Paul Cézanne mudou a cara da pintura do século 19 e foi o arauto do cubismo.

Nascido em Aix-en-Provence, em uma rica família de banqueiros, Cézanne estudou Direito antes de se dedicar à pintura. Em 1862, o artista viajou a Paris e se inscreveu no Atelier Suíço, onde estudou ao lado de Pissaro, Renoir, Sisley e Degas. Por diversas vezes seus trabalhos foram recusados pelo Salon (exposição oficial promovida pela Academia Francesa) até que em 1874 três de suas pinturas foram exibidas na primeira exposição impressionista.

Seus primeiros trabalhos mostram a influência de mestres franceses como Courbet e Delacroix. Mais tarde Cézanne abandonou este estilo de pintura assim como o impressionismo, encaminhando-se para uma interpretação cada vez mais abstrata. Cézanne acreditava que a arte deveria ser "uma harmonia que caminha lado a lado com a natureza".

O pintor tentava reduzir a natureza a três formas básicas: o cilindro, o cone e a esfera, transformando essas formas em suportes modelados pelas cores.

Cézanne passou os últimos anos de sua vida praticamente recluso em Aix, onde pintou uma série de trabalhos que tinham por tema o monte Sainte-Victoire. Uma extensa retrospectiva do trabalho do artista foi feita em 1996 na Tate Gallery, em Londres, e no Philadelphia Museum of Art.

Odilon Redon

2011-12-08T01:00:00.000-08:00

Considerado atualmente uma das maiores expressões plásticas do Simbolismo, Redon permaneceu desconhecido da crítica e do público até os 45 anos. Desde adolescente, produzia gravuras e desenhos a carvão com temas macabros e fantásticos, vinculados à vanguarda literária. Na década de 1880, porém, foi descoberto por escritores como Stéphane Mallarmé e começou a tornar-se famoso.

À medida que sua obra era cada vez mais difundida, os jovens artistas plásticos mostraram-se sensíveis à sua nova técnica e às suas imagens visionárias, chegando a considerá-lo um líder. A partir do final do século XIX, o artista abandonou a técnica monocromática e passou a dedicar-se ao pastel e ao óleo, produzindo obras gloriosamente coloridas, de composição sempre fantástica e inusitada.

"Os desenhos a carvão captavam o terror do sonho atormentado pela congestão. Aqui, era um enorme dado de jogo no qual piscava uma pálpebra triste; lá, paisagens secas, áridas, planícies calcinadas, terremotos, erupções vulcânicas que iam desenhando nuvens em revolta, céus estagnados e lívidos; às vezes também os temas pareciam inspirados nos pesadelos da ciência, remontando a épocas pré-históricas: uma flora monstruosa cobrindo rochas, e personagens nos quais a cabeça simiesca, a espessura dos maxilares, as arcadas superciliares salientes, a fronte fugidia e o alto do crânio oculto recordavam a cabeça ancestral, a cabeça do primeiro período quaternário, a do homem frutívoro e privado da palavra, contemporâneo do mamute, do rinoceronte de narinas divididas e do grande urso. (...) Esses desenhos iam além dos limites da pintura, introduziam um fantástico muito particular, doentio e delirante. (...) Tomado de um vago mal-estar diante desses desenhos, como diante de alguns Provérbios de Goya que eles lembravam, como também ao final de uma leitura de Edgar Poe, da qual Odilon Redon parecia ter transposto, para uma arte diferente, as miragens de alucinações criadas pela vertigem do medo e do mistério, eu sentia uma tristeza fascinante, e uma desolação lânguida emanava de meus pensamentos."

O trecho acima, extraído do romance À Rebours (Pelo Avesso), que o escritor simbolista francês Joris-Karl Huysmans (1848-1907) publicou no começo da década de 1880, é uma das muitas passagens da obra dedicada à descrição dos desenhos de Odilon Redon, então admirados pelos escritores de vanguarda e praticamente desconhecidos no mundo das artes plásticas. Avesso aos padrões dominantes da estética naturalista e impressionista, que acusava de limitar-se apenas à descrição do mundo exterior, Redon dedicou-se por várias décadas às gravuras e aos desenhos a carvão, criando imagens visionárias, que ilustravam a obra de escritores malditos como Edgar Allan Poe e chegavam a antecipar o Surrealismo.

Segundo filho de Bertrand Redon e Marie Guérin, Odilon Redon nasceu em 20 de abril de 1840, em Bordeaux, e passou a maior parte de seus primeiros anos sob os cuidados de um tio em Peyrelebade, a propriedade da família em Medoc, uma área montanhosa batida por fortes ventos, ao sul de Bordeaux. Mesmo quando se tornou um artista famoso, voltava à propriedade a cada verão: a atmosfera melancólica e as lembranças da infância ali passada continuaram a influenciar sua obra.

Redon era um menino introspectivo, que gostava de refugiar-se em leituras românticas. Demonstrou gosto pelo desenho desde a infância. Na provinciana Bordeaux, onde as novidades de Paris tardavam a chegar, Redon foi iniciado no desenho por Stanislas Gorin, admirador apaixonado de Delacroix, que incutiu no adolescente os princípios básicos do Romantismo, fazendo-o compreender que a obra de arte deveria expressar sensações e que as regras e fórmulas não mereciam crédito.

Cabeça de Cristo e Serpente - 1907

O APRENDIZADO DOS MISTÉRIOS

Em 1861, aos 21 anos, Redon conheceu o notável botânico Armand Clavaud, que se tornaria seu melhor amigo e mentor. Além de cientista, que contribuiu para inspirar a imaginação de Redon, Clavaud era erudito de grande fôlego e originalidade, pondo o artista em contato com a filosofia, a poesia e as artes gregas, medievais e indianas. Clavaud também se interessava pela literatura contemporânea e, por meio dele, Redon tomou contato com os escritos de Edgar Allan Poe e Gustave Flaubert.

Comparativamente, o aprendizado formal de Redon resultou em poucos benefícios. Por insistência do pai, estudou arquitetura e escultura, sem êxito. Em 1864, matriculou-se na Escola de Belas-Artes de Paris, sob a direção do respeitado mestre acadêmico Gérôme. Para um aluno com a sensibilidade e originalidade de Redon, a rotina do ensino acadêmico era intolerável. Desentendeu-se com Gérôme e deixou a escola, renunciando, assim, à possibilidade de uma carreira oficial de sucesso.

Redon procurou, em vez disso, orientação e instrução em um homem que já virara as costas ao mundo artístico oficial e que levava uma vida de boêmio pobre em Bordeaux: Rodolphe Bresdin. Vinte anos mais velho que ele, Bresdin trabalhava na obscuridade, produzindo águas-fortes e litogravuras cheias de detalhes, com temas fantásticos e sinistros. Esses estranhos e tardios florescimentos do Romantismo inspiravam-se nas pinturas de Dürer e de Rembrandt e tiveram um reflexo marcante no jovem Redon. Também começou a fazer águas-fortes altamente detalhadas, inspiradas nas imagens de Bresdin, e, tal como ele, preferia retratar cenas-misteriosas e imaginárias, rejeitando a arte naturalista então em voga.

Mesmo quando, na década de 1870, Redon foi viver em Paris, continuou em sua trilha solitária. Em 1874, ano da primeira exposição conjunta dos impressionistas, tornou-se um visitante assíduo do Salão de Madame de Rayssac, onde se encontrava com pintores e escritores mais velhos e que haviam conhecido Delacroix e Victor Hugo, os grandes heróis do Romantismo e que compartilharam e contribuíram para fomentar os ideais artísticos de Redon.

Um jovem que conheceu ali, o pintor floral Henri Fantin-Latour, tornou-se um amigo íntimo e o encorajou a enveredar pela litogravura como um meio de reproduzir seus desenhos e atingir um público mais amplo. Ele produziu seu primeiro álbum de litogravuras, Em Sonho, em 1879. Pelos vinte anos seguintes, dedicou-se exclusivamente a essa arte.

Nascimento de Vênus - 1910

MUDANÇAS DE SORTE

A sorte de Redon atravessou uma pronunciada mudança depois de 1880. Nesse ano casou-se com Camille Falte, uma jovem que conhecera no Salão de Madame de Rayssac, dando fim à solidão e ao isolamento em que vivia. Em 1881 e 1882, em Paris, fez duas pequenas exposições de seus desenhos a carvão que marcaram efetivamente o início de sua carreira pública. Dois escritores, Émile Hennequin e Joris-Karl Huysmans, responderam com entusiasmo às ligações que viram e reconheceram entre os desenhos marcantes de Redon e a nova onda dos escritores decadentes. Por intermédio deles, Redon tornou-se publicamente identificado, para o bem ou para o mal, com o movimento decadente. Em 1884, Huysmans publicou seu romance À Rebours, aclamado como o manifesto dos decadentes. Seu herói é um aristocrata desencantado que se isola da sociedade num mundo particular de estranhos e perversos prazeres. Entre suas curiosidades, ele coleciona os desenhos a carvão de Redon — que Huysmans acabara de descobrir.

Foi seu aparecimento nessa novela que consagrou a reputação de Redon como um mestre da doença, do delírio e da depravação.

Embora a associação com os escritores do movimento decadente e simbolista trouxesse o reconhecimento a Redon, o artista sempre sentiu que seus objetivos estéticos eram incompreendidos por eles, que cometiam o erro de procurar significados precisos em seu trabalho. "Meus desenhos inspiram e não devem ser definidos. Não determinam coisa alguma. Tal como a música, eles nos conduzem ao mundo do ambíguo e do indeterminado."

Os artistas plásticos o teriam compreendido melhor, mas os contatos dele se restringiam quase que totalmente a escritores e intelectuais. Em 1884, porém, expôs na recém-fundada Sociedade dos Artistas Independentes e, em 1886, participou da última mostra impressionista, fazendo amizade com Georges Seurat e Paul Gauguin. Também expôs com o Grupo dos XX, constituído na Bélgica e dedicado aos temas simbolistas.

UMA VISÃO MAIS CLARA

O efeito desses novos contatos com pintores tornou-se evidente na década seguinte. Redon sempre havia pintado — embora pouco — paisagens e estudos florais, mas até aproximadamente 1890 a cor não desempenhou um papel significativo em seu trabalho. A influência de Gauguin mudou tudo, e Redon deu início a uma nova carreira como colorista, produzindo pastéis e pinturas em cores vivas, que faziam dramático contraste com seus sombrios "negros", como denominava seus desenhos a carvão e litogravuras. Nos últimos vinte anos de sua vida, até morrer, em 1916, Redon criou uma obra nova, feita de imagens alegres e otimistas — retratos, nus, flores, mitologias —, das quais as horríveis e macabras obsessões de seu trabalho anterior foram banidas.

A causa dessa metamorfose reside na vida pessoal de Redon, marcada por intensos sofrimentos que abriram caminho para a mudança. Após a morte de seu pai, em 1874, Redon viu-se envolto numa longa e lastimável disputa familiar pela herança das propriedades. Em 1886, seu primogênito, Jean, morreu aos 6 meses, e, nos anos seguintes, muitos de seus amigos mais próximos morreram — Hennequin, Bresdin, Clavaud, Mallarmé e Chausson. No início da década de 1890, Redon passou por uma espécie de crise religiosa e, em 1894/5, sofreu uma séria doença que aparentemente foi um divisor de águas em sua vida. Ao recuperar-se, abandonou a introspecção melancólica e a ansiedade religiosa anteriores. Ligados a essa ressurreição estavam a venda, em 1897, de Peyrelebade, o cenário de sua infância, e o nascimento do filho, Arï.

Apesar de seus 50 anos, Redon viu-se, na década de 1890, rodeado por jovens pintores que, ao contrário de muitos artistas de sua geração, compartilhavam de suas mais profundas convicções artísticas. Em particular, o grupo que se auto-intitulava os Nabis — Maurice Denis, Paul Sérusier, Pierre Bonnard e Jean Edouard Vuillard, entre eles — via em Redon um líder que, sozinho, buscava uma arte expressiva e espiritual. Um amigo de Gauguin, Emile Bernard, assim como o jovem Matisse, também estava entre seus admiradores, enquanto os marchands Durand-Ruel e Vollard expunham suas obras, contribuindo para estimular uma aceitação mais ampla. Redon ganhou uma nova confiança com esse apoio. Tornou-se mais otimista e ousado em sua utilização da cor.

Mistério - 1905/07

UMA CLIENTELA LEAL

Até sua morte, em 1916, Redon se manteve uma figura reservada, apesar dos louvores que lhe foram conferidos no início do século XX. Em 1903 foi agraciado com a Legião de Honra. No ano seguinte, o Salão de Outono promoveu uma exposição dedicada à sua obra. Apesar disso, seu público permaneceu diminuto, restringindo-se a um grupo de leais e dedicados colecionadores — Gabriel Frizeau, Arthur Fontaine, Gustave Fayet e André Bonger —, que encomendaram muitos dos grandes painéis e telas decorativas, verdadeiras obras-primas da última fase do artista.

Michelangelo Merisi – Caravaggio

2011-12-04T01:00:00.000-08:00

Uma das personalidades mais fascinantes da história da arte, destacou-se não apenas como pintor — o mais vigoroso e influente do século XVII — mas também por ter encarnado o ideal do artista em conflito com as convenções sociais. Dono de um temperamento agitado, envolveu-se numa série de atos de violência. E sua carreira foi pontilhada por atritos com patronos em função do tratamento pouco ortodoxo que dispensava a temas religiosos. Depois de trabalhar para se estabelecer em Roma, Caravaggio conquistou fama com pouco mais de 30 anos, época em que seu traço vigoroso e o uso dramático do claro-escuro criaram novo vocabulário pictórico. Acusado de homicídio, teve de fugir de Roma no auge da carreira, vivendo o restante de sua breve existência como um nômade, até que a morte chegasse aos 38 anos.

O tempestuoso temperamento de Caravaggio e sua rebeldia às convenções o levaram a inúmeros confrontos com a polícia, vivendo os últimos anos de sua trágica existência como um fugitivo da justiça.

Michelangelo Merisi, filho de Fermo di Bernardino Merisi, nasceu em 1571, provavelmente em Milão, não muito distante da aldeia de Caravaggio, de onde sua família provinha. Anos mais tarde, adotaria o nome de seu local de nascimento, celebrizando-o internacionalmente. Seu pai, que era mordomo-chefe de Francesco Sforza, Marquês de Caravaggio, morreu em 1577, e o menino, junto com dois irmãos (um dos quais viria a falecer em 1588) e uma irmã, foi criado pela mãe, Lucia Aratore.

Em 1584, aos 12 anos, o jovem entrou como aprendiz do estúdio do pintor milanês Simone Peterzano. Pouco se sabe sobre esse período de sua vida, apenas que sua mãe morreu em 1590 e que, dois anos mais tarde, os três irmãos dividiram a propriedade da família em partes iguais. Caravaggio herdou 393 libras imperiais, o que lhe possibilitou partir para Roma. A cidade o atraía pelos grandes mecenas, pelo passado artístico, pelo fausto da corte papal. Ali ele conviveria com artistas e arquitetos de toda a Itália e do exterior, atraídos pelos ambiciosos projetos papais de reconstrução e embelezamento da cidade.

Em virtude da acirrada concorrência, a vida em Roma era muito difícil para um jovem e inexperiente artista, cujo aprendizado se realizara com um mestre de província. Caravaggio poderia ter vivido por vários anos com o dinheiro de sua herança, mas parece que gastou tudo muito depressa e de forma impensada, pois nos primeiros tempos romanos ele teve de lutar contra a fome e a miséria. Para sobreviver fazia trabalhos menores de pintura em série, que interessavam a alguns poucos compradores, geralmente estrangeiros de passagem. O pagamento irrisório que recebia pelas telas não aliviava sua permanente condição de miséria. Com a saúde abalada, chegou a ser internado no Hospital Santa Maria da Consolação, onde pintou quadros — suas primeiras obras conhecidas — para o prior da instituição, que os enviaria depois a Sevilha. Tendo recebido alta, mas ainda debilitado, Caravaggio saiu em busca de novos empregos. Ofereceu-se para trabalhar com Giuseppe Cesari, Cavaleiro d'Arpino. Mas incompatibilizou-se com o estilo de pintura do mecenas e desfez o contrato.

Judite e Holofernes – 1598/99

UM PATRONO INFLUENTE

Tempos mais tarde, o artista atraiu a atenção do Cardeal Del Monte, clérigo rico e sofisticado, colecionador de obras de arte, amante da música e patrono oficial da Academia de São Lucas, a escola dos pintores de Roma. Del Monte representava os interesses de Florença na corte papal e residia num dos palácios da família Medici. O cardeal acolheu Caravaggio em sua casa, oferecendo-lhe alojamento, alimentação e uma pensão regular. Em troca, pintou uma série de quadros de jovens efeminados, pois Del Monte divertia-se discretamente com rapazes. Caravaggio, de resto, parecia compartilhar desse gosto, evidenciado nos seus primeiros trabalhos. Até mesmo em alguns retábulos do fim da carreira pede-se encontrar anjos de natureza andrógina. É surpreendente que, numa época em que o homossexualismo era considerado crime, nenhuma suspeita tenha recaído sobre o próprio Caravaggio. Se existisse alguma dúvida sobre sua sexualidade, certamente os inimigos que fez em sua breve existência — e que não foram poucos — teriam explorado de bom grado esse assunto publicamente. O que provocou maledicências foi a reputação duvidosa de sua namorada — Lena, uma prostituta que ele dizia ter utilizado como modelo para retratar a Virgem.

No início da carreira, Caravaggio pintou naturezas-mortas, paisagens e, eventualmente, obras sacras. Foram criadas para alguns poucos patronos, como Del Monte e o prior do Hospital da Consolação, ou mesmo para serem vendidas por obscuros negociantes do mercado da arte. Não era este, sem dúvida, o caminho para a riqueza e a fama. Em plena Contra-Reforma, Roma assistia ao boom da construção de igrejas, e cada edificação nova exigia a criação de retábulos e a decoração de capelas. Era onde estava o dinheiro e onde se estabelecia a reputação entre o público. Caravaggio, com quase 30 anos, deve ter disputado desesperadamente um espaço nesse mercado tão lucrativo.

A oportunidade veio em 1599, quando recebeu uma encomenda de duas grandes pinturas, para a Capela Cóntarelli, da Igreja de São Luís dos Franceses. É provável que o Cardeal Del Monte tenha servido de instrumento para garantir a seu protegido esse contrato importante.

A Crucificação de São Pedro – 1600/01

PINTURAS AMBICIOSAS

Que se saiba, Caravaggio jamais havia tentado produzir algo em escala comparável. Por mera insegurança. Fotos de raios X tiradas do Martírio de São Mateus revelaram suas dúvidas e incertezas. Hesitava sobre o tamanho adequado das figuras para produzir uma composição convincente. Depois de várias tentativas para melhorar e corrigir a versão original, ele se obrigava a recomeçar tudo. O resultado final, porém, foi um contundente sucesso.

Para Caravaggio era apenas o começo. Outras grandes encomendas surgiram em rápida sucessão. Após alguns anos, a fama do pintor já se difundia por toda a Europa. O historiador de arte holandês Carel van Mander escreveu em 1603: "Existe um tal de Michelangelo da Caravaggio que está fazendo coisas extraordinárias em Roma". Mas não foram apenas notícias sobre o talento do pintor que chegaram até Van Mander. Tinha sido informado também de seu célebre comportamento tempestuoso e violento:

"Ele não trabalha ininterruptamente, de modo que, após duas semanas, larga tudo e sai por dois meses com seu florete e seu ajudante a tiracolo (...) sempre disposto a discutir ou brigar, o que torna impossível a convivência". Muito embora as informações de Van Mander sobre a arte de Caravaggio não fossem totalmente exatas, era correto o comentário a respeito de sua vida pública.

A partir de 1600, época que coincide com seu primeiro sucesso de público, Caravaggio aparece regularmente nos registros policiais de Roma: em novembro daquele ano agrediu um colega com um bastão; em fevereiro do ano seguinte, foi levado a júri sob a acusação de ter ameaçado um soldado com sua espada; em 1603, o pintor Giovanni Baglione lhe moveu uma ação. Foi preso por algum tempo e solto sob a condição de permanecer em casa e não mais ofender Baglione (a quebra do trato o levaria novamente à prisão e às galés); em abril de 1604 acusaram-no de ter agredido o garçom de um restaurante e de tê-lo ameaçado com a espada; mais tarde, no mesmo ano, foi novamente encarcerado por insultar um policial. Os delitos não param aí: em 1605 prenderam-no por carregar uma espada e um punhal sem autorização; por ofender uma senhora com sua filha e também por agredir um tabelião numa briga; por fim, sua senhoria o acusou de não pagar o aluguel, além de ter o hábito de atirar pedras pelas janelas. Talvez não se deva julgar a personalidade de Caravaggio apenas pelos registros criminais e por seu temperamento violento. Afinal, ele foi também sustentado e protegido por alguns dos mais exigentes patronos de Roma, incluindo Del Monte e o Marquês Giustiniani. E alguns de seus melhores amigos e companheiros de aventuras eram homens refinados e cultos. Giovanni Battista Marino, talvez o poeta mais erudito e intelectualizado da época, teve seu retrato executado por Caravaggio e imortalizou em poemas a arte do amigo. E embora as declarações públicas de Caravaggio a respeito de artistas — seus contemporâneos ou antecessores — soassem rudes e simplistas, ele costumava estudar em segredo a arte de Michelangelo, Leonardo, Rafael e dos grandes pintores venezianos. Com muita argúcia e fina sensibilidade. Enfim, não se conhece o suficiente sobre sua vida íntima, interesses e conhecimentos para formar uma imagem concreta de seu caráter, além daquela fornecida pelos registros policiais da época.

No dia 28 de maio de 1606, de resto, o temperamento violento de Caravaggio o levou à tragédia. Por não querer pagar uma aposta de 10 escudos, ele e alguns amigos envolveram-se numa briga com um certo Ranuccio Tommasoni. Na tragédia, o pintor saiu gravemente ferido e Tommasoni acabou morrendo em virtude dos ferimentos.

Jovem Baco - 1595

FUGA PARA ROMA

Caravaggio conseguiu se esconder por três dias, provavelmente no palácio de seu protetor, o Marquês Giustiniani. Depois fugiu de Roma, para onde jamais retornaria. Desconhece-se seu paradeiro pelos cinco meses seguintes. Por volta de outubro de 1606 estava em Nápoles, fora de jurisdição papal e em segurança. Em menos de um ano completou no mínimo três grandes retábulos, esperando ansioso que seus amigos romanos e patronos influentes lhe obtivessem o perdão papal para que pudesse retornar a Roma. Mas a resposta das autoridades custava a chegar, e, em julho de 1607, Caravaggio saiu de Nápoles com destino à ilha de Malta.

Não se sabe se viajou para Malta na esperança de ser feito Cavaleiro de São João, ou se os cavaleiros malteses o convidaram para pintar alguns quadros. O fato é que sua permanência na ilha foi muito produtiva. Além dos retratos, entre outros o do Grão-mestre Alof de Wignacourt, realizou uma obra de grande porte, A Decapitação de São João, o santo padroeiro da Ordem dos Cavaleiros.

Em julho de 1608, foi sagrado Cavaleiro da Ordem da Obediência, em reconhecimento por seu trabalho. Além disso, o Grão-mestre condecorou-o com uma corrente de ouro e outras honrarias, além de colocar à sua disposição dois escravos turcos. Mas, incapaz de submeter-se à severa disciplina da Ordem, o temperamental pintor revidou a ofensa que lhe fez um cavaleiro e acabou preso novamente. É provável tamém que as notícias sobre o crime que cometera em Roma já tivessem se difundido em Malta, complicando sua situação. Ajudado por amigos, conseguiu escapar e fugiu para a Sicília. Foi destituído de todas as honrarias e excluído da Ordem. Pressentindo a vingança em seu encalço, Caravaggio mudava constantemente de cidade. E esteve em Siracusa, Messina, Palermo e, depois de concluir alguns retábulos, retornou a Nápoles, em 1609. A fama lhe propiciava vultosas somas em cada obra vendida. No entanto, era ainda fugitivo. E agora não apenas da justiça papal, mas também dos cavaleiros de Malta. Em outubro de 1609, chegaram a Roma alguns boatos de que havia sido morto ou gravemente ferido em Nápoles. De acordo com alguns relatos, sicários do cavaleiro maltês ofendido o descobriram e o feriram seriamente no rosto, deixando-o desfigurado.

A notícia dessa agressão chegou a Roma, fazendo com que se intensificassem os esforços dos amigos para obter o perdão do papa. Tinha então o apoio do Cardeal Ferdinando Gonzaga, que comprara sua tela A Morte da Virgem, obra rejeitada pelo conservadorismo dos padres de Santa Maria della Scala. Diante da notícia de que o papa estaria prestes a conceder-lhe graça, Caravaggio partiu para Roma, sem esperar resposta sobre sua anistia. No verão de 1610, deixou Nápoles repentinamente. Mas ainda sem a plena certeza da sorte que o esperava, desembarcou em Porto Ercole, cidade situada cerca de 13 quilômetros ao norte de Roma e que à época era um protetorado espanhol. Esperava retornar a Roma em breve, mas não podia pisar nos Estados Pontifícios sem o perdão papal. Estava ansioso para reencontrar os amigos e os antigos patronos, o que não iria ocorrer.

Baglione, velho inimigo de Caravaggio, deixou à posteridade o relato mais vívido dos últimos dias do artista. Tendo desembarcado em Porto Ercole, Caravaggio "foi preso por engano e posto na prisão por dois dias. Quando saiu, seu barco não se encontrava mais onde o deixara. Enfurecido e em desespero, começou a andar pela praia sob o sol de verão, tentando encontrar algum indício de sua embarcação e de seus bens. Finalmente, desmaiou em algum lugar e foi colocado numa cama, com febre muito forte. E ali, sem ajuda de Deus ou de amigos, morreu depois de alguns dias, tão miseravelmente quanto viveu". Era 18 de julho de 1610, e Caravaggio não havia ainda completado 40 anos. O perdão há tanto tempo esperado foi enfim concedido. Mas já era tarde.

Michelangelo Buonarroti

2011-12-02T01:00:00.000-08:00

Escultor, pintor, arquiteto, poeta e engenheiro, Michelangelo Buonarroti representa o arquétipo do gênio da Renascença. Seu talento transcende o tempo e continua a ser fonte de inspiração e influência para artista contemporâneos.

Michelangelo começou sua carreira em Florença, em 1488, como aprendiz no estúdio de Domenico Ghirlandaio. Rapidamente, mudou-se para a corte dos Medici, em Florença, onde adquiriu gosto pela escultura clássica e filosofia humanista que influenciaram e deram forma a seu trabalho. Após a morte de seu patrono, Lorenzo de Medici, o artista viajou para Bolonha e Roma, depurando cada vez mais sua técnica brilhante e estabelecendo sua reputação como uma força predominante nas artes.

Em maio de 1508, Michelangelo aceitou o comissionamento do papa Júlio 2º para pintar o teto da Capela Sistina. A princípio, Michelangelo relutou para aceitar o comissionamento por considerar-se um escultor, mas suas hesitações iniciais se dissiparam e ele deu início ao projeto no começo de 1509. Utilizando a técnica milenar do afresco, Michelangelo trabalhou num ritmo febril, enfrentando condições de trabalho muitas vezes adversas.

A decoração do teto projetada por Michelangelo consistia em uma série de elementos arquiteturais ilusionistas que emolduram personagens e eventos bíblicos. Terminado em 1512, após quatro anos de trabalho, o teto marca o apogeu da carreira do artista como pintor e sela sua reputação como o maior pintor da Alta Renascença.

Os trabalhos da controversa restauração do teto foram iniciados em 1980, e transformaram dramaticamente sua aparência, revelando uma impressionante gama de cores, reavivando o interesse por Michelangelo como colorista. Embora o artista tenha devotado os últimos 30 anos de sua vida quase que exclusivamente à arquitetura, suas poderosas pinturas exercem grande influência e mantêm-se como supremas obras primas da história da arte.

Manuel José de Araújo Porto Alegre

2011-11-30T01:00:00.000-08:00

Porto-Alegre (Manuel José de Araújo P.-A., barão de Santo Ângelo), poeta, pintor, professor, jornalista, diplomata e teatrólogo, nasceu em José do Rio Pardo, RS, em 2 de novembro de 1806, e faleceu em Lisboa, Portugal, em 29 de dezembro de 1879. É o patrono da Cadeira n. 32, por escolha do fundador Carlos de Laet.

Era filho de Francisco José de Araújo e de Francisca Antônia Viana. Em 1826 veio para o Rio estudar pintura com Debret na Academia de Belas Artes, cursando também a Escola Militar e aulas de anatomia do curso médico, além de Filosofia. Em 1831, graças a uma subscrição promovida por Evaristo da Veiga, e à proteção dos Andradas, seguiu Debret à Europa, a fim de aperfeiçoar-se como pintor. Ligado a Garrett, foi porventura quem orientou os patrícios chegados a Paris interessados pelo Romantismo. De volta ao Rio, desenvolveu intensa atividade artística, educacional, administrativa e literária. Colaborou com Domingos de Magalhães na criação da revista Niterói (1836) e fundou com Joaquim de Macedo e Gonçalves Dias a revista Guanabara (1849), veículos que abrigaram os grupos iniciais do Romantismo no Brasil. Em 1858 ingressou na carreira consular, servindo como cônsul do Brasil na Prússia, com sede em Berlim, depois na Saxônia, com sede em Dresden (1860-1866), e finalmente em Lisboa (1866-1879), onde veio a falecer.

Escreveu artigos, biografias, peças de teatro, estudos políticos, poesias, que ainda não foram todas reunidas, tendo ele publicado as principais nas Brasilianas (1863). Pseudônimo: Tibúrcio do Amarante. Fez parte do primeiro grupo romântico brasileiro, cuja poesia é marcada por um forte nacionalismo. Abandonou a mitologia clássica em proveito da temática nacional. A sua empresa literária, contudo, foi o poema épico Colombo, em que trabalhou desde 1840, publicando episódios em revistas da época a partir de 1850. Endeusava reverentemente o amigo Domingos de Magalhães, atribuindo-lhe a chefia da "regeneração das nossas letras", mas tinha ele mesmo a noção da influência da sua obra como início da cor local nativista.

Obras: Brasilianas, poesia (1863); Colombo, poema épico, 2 tomos (1866). Escreveu várias peças teatrais, entre as quais: Prólogo dramático (1837); Angélica e Firmino (1845); A estátua amazônica (1851); A restauração de Pernambuco (1852); Os judas (1858); Canto inaugural (1859); O prestígio da lei (1859); Os voluntários da pátria (1877). Também encontram-se publicadas as suas Cartas a Monte Alverne (1964) e a Correspondência com Paulo Barbosa da Silva, na Coleção Afrânio Peixoto, da ABL (1990).

Leonardo da Vinci

2011-11-28T01:00:00.000-08:00

Quintessência do renascimento, o gênio inesgotável de Da Vinci deixou sua marca em muitas disciplinas e continua a gerar encanto nas platéias modernas.

Nascido na vila Toscana de Vinci, o pouco treinamento formal de Leonardo teve início com um período de aprendizado no estúdio de Andrea Verrochio (em 1472, aproximadamente). Muito cedo em sua carreira, Leonardo desenvolveu um estilo altamente inventivo e técnicas acentuadamente experimentais que estabeleceram o padrão para o alto renascimento.

As inovações de Leonardo, como a introdução do monumentalismo e equilíbrio clássicos na pintura, seu uso de uma composição piramidal e uma delicada técnica de modelagem tonal a que chamava de "esfumato", ressaltam o seu impressionante potencial de talento criativo. Relativamente poucas obras atribuídas inquestionavelmente às mãos do mestre sobreviveram e, em menor quantidade ainda, obras concluídas.

Dentre os dez quadros que concluiu, estão duas das mais famosas pinturas da história: a "Última Ceia" e a "Mona Lisa". O sorriso enigmático da "Mona Lisa" intrigou muitas platéias durante séculos e teve um significado especial para Leonardo; ele nunca se separou do quadro que foi relacionado dentre seus pertences quando morreu. As extraordinárias anotações de Leonardo em livros revelam sua preocupação com uma multiplicidade de assuntos diferentes, transbordando observações brilhantes e desenhos altamente detalhados de uma variedade extraordinária de temas, desde a anatomia até o armamento.

Como pintor, escultor, arquiteto, engenheiro e cientista, a reputação de Leonardo o levou para os mais influentes círculos das cortes italiana e francesa dos séculos 15 e 16. Reconhecido como o fundador do alto renascimento, as obras de Leonardo passaram no teste do tempo, transformando a natureza da arte e servindo de inspiração tanto para artistas como para espectadores por mais de cinco séculos.

Joseph Mallord William Turner

2011-11-26T01:00:00.000-08:00

Original e brilhante, Joseph Turner foi um dos maiores pintores britânicos. Famoso já aos 30 anos, era figura de destaque na Academia Real inglesa. Mas nunca deixou de ser um homem áspero e solitário, conhecido também por seu desleixo no vestir e por certa avareza. Criado em Londres, viveu fascinado pelo Tâmisa: a água e os barcos, juntamente com os efeitos da luz, sempre foram sua inspiração maior. A área da cidade às margens do rio foi o local que escolheu para viver. Mas viajava muito — pela Grã-Bretanha e pelo resto da Europa —, em busca de novas paisagens para pintar. Quando morreu, aos 76 anos, deixou um imenso legado que totaliza mais de 20.000 obras, entre esboços, óleos e aquarelas.

Joseph Mallord William Turner nasceu Londres em 23 de abril de 1775. Seu pai era barbeiro, e sua mãe, filha de um açougueiro. A família morava sobre a barbearia, em Maiden Lane, Covent Garden, uma área da capital inglesa que, tal como ainda hoje, estava estreitamente ligada às artes.

Pouco se sabe a respeito de sua mãe, apenas que era propensa a ataques nervosos que a levariam à loucura: internada por insanidade no Hospital Bethlem, em 1790, viria a morrer quatro anos depois, num asilo particular. Turner jamais a mencionaria em sua vida adulta.

A Batalha de Trafalgar - 1839

Com o pai, ao contrário, o relacionamento era muito próximo, embora ele tenha comenta certa vez: "Papai nunca me dispensou elogios exceto por economizar meio penny". Esses elogios não foram em vão, pois Turner cresceu como um homem parcimonioso e extremamente astuto nas questões financeiras. E, na verdade, o pai também o encorajava de outras maneiras, inclusive exibindo seus desenhos na barbearia.

Quando garoto, Turner descobriu o amor pelo rio próximo à sua casa: as águas agitadas do Tâmisa, as constantes mudanças no jogo da luz de sua superfície, a neblina que dali emergia para as velas e o cordame dos navios, e mesmo o movimento das docas eram cenas que o perseguiriam durante toda a vida.

Na infância, Turner não recebeu nenhuma educação artística em particular. Entretanto, o treinamento que empreendeu, aliado a seu grande talento, foi suficiente para qualificá-lo a ingressar, aos 14 anos, no curso livre da Academia Real inglesa. Foi o mais jovem integrante da instituição, em toda a sua história. Ali, Turner trabalhou tão arduamente, e com resultados tão positivos, que atraiu críticas favoráveis e patronos. Ainda na Academia, estudou com Thomas Malton, autor de aquarelas detalhadas de motivos arquitetônicos.

A partir de 1794 e durante os três anos seguintes, Turner trabalhou na Monro School, copiando obras de outros artistas por alguns pence por noite. Entre os artistas cuja obra copiou estava John Robert Cozens (1752-1792). Seu contemporâneo — e rival —, Thomas Girtin, copiava os contornos; Turner completava, adicionando a aquarela. As selvagens e românticas paisagens suíças e italianas de Cozens parecem ter inspirado o jovem artista a procurar pintar tais cenas por si mesmo. E, em 1798, Turner já podia afirmar que tinha bem mais encomendas do que tempo disponível para realizá-las.

UM CARÁTER SOMBRIO E FECHADO

Turner era de estatura baixa e, com o tempo, foi se tornando atarracado e pesado, sem que isso prejudicasse sua energia natural. No rosto destacavam-se o nariz e um par de olhos atentos. Vários retratos mostram que seu aspecto era um tanto desalinhado, certamente em conseqüência do eterno hábito de fazer economia, comprando roupas baratas. Era, sobretudo, um homem seco, taciturno, só revelando na intimidade seu lado mais caloroso. Cercou com aura de mistério seus métodos de trabalho e era notoriamente fechado quanto à sua vida pessoal.

No ano em que ingressou na Academia fez a primeira de uma série de viagens que iriam lhe dar os padrões de sua vida profissional. Exibia grande resistência física nessas viagens e uma infatigável capacidade para elaborar esboços rápidos e incisivos em seu caderno de anotações. São esboços que, inclusive, formaram a base de suas aquarelas "topográficas": os estudos detalhados das construções góticas, por exemplo que fez até 1796. Nesse ano, aliás, expôs pela primeira vez um quadro a óleo, Pescadores no Mar — uma cena sob a luz do luar que ilustra dramaticamente os perigos enfrentados por pescadores durante um vendaval próximo à ilha de Wight's Needles.

No dia 31 de dezembro de 1799 Turner foi eleito sócio da Academia Real. Já era financeiramente independente e assim pôde sair de casa em 1800, estabelecendo-se na Harley Street. Nessa época mantinha um relacionamento com Sarah Danby, mãe de quatro filhos, que enviuvara recentemente. Tiveram, por sua vez dois filhos, e este relacionamento durou vários embora nunca tenham se casado nem vivido juntos. Os desenhos eróticos que Turner fez nesse período, retratando mulheres nuas, revelam seu vigoroso lado sensual; no entanto, ele nunca permitiria que qualquer relacionamento interferisse em seu rígido programa de trabalho.

Ainda em 1799, William Beckford, rico colecionador de arte e um dos patronos de Turner, abriu as portas de sua casa aos que se interessassem em estudar duas famosas pinturas de Claude Lorrain. Esses trabalhos causaram impacto em Turner, que imediatamente decidiu pintar temas históricos nas mesmas grandes dimensões. Ao invés de se sentir intimidado pelos mestres antigos, ele tentava imitá-los, competir com eles e, se possível, superá-los. A feroz competitividade era, aliás, outra característica de sua personalidade.

Em 1802, com apenas 26 anos, Turner passou a membro vitalício da Academia Real e, cinco anos depois, tornou-se professor de perspectiva. Apesar de seus desentendimentos periódicos com os colegas e de suas ocasionais ausências das exposições organizadas pela casa, Turner fez da Academia seu lar profissional e emocional: permaneceria sempre fiel a ela, tomando-a quase como sua "mãe" — da mesma forma que via seus quadros como "filhos".

Paz e Enterro no Mar - 1842

A CARREIRA GRATIFICANTE

Turner viajou pela primeira vez ao continente em 1802, motivado por uma exposição no Louvre: Napoleão decidira mostrar os tesouros em obras de arte que pilhara durante suas conquistas na Europa. Turner foi um dos primeiros pintores ingleses a atravessar o canal da Mancha para vê-los. E desembarcou em Calais, durante forte tempestade que, num gesto típico dele, reproduziu em desenho no próprio local, acrescentando a nota: "Quase um naufrágio".

Antes de chegar a Paris, satisfez um antigo desejo, o de conhecer a Suíça — que percorreu em carruagem própria, comprada por medida de economia. Foi uma viagem exaustiva, e Turner comentou muito pouco a respeito do país.

Mas os Alpes o impressionaram vivamente, motivando mais de quatrocentos esboços, e estariam, a partir de então, entre os temas que mais abordou. Dez semanas depois estava em Paris, onde se dedicou a um estudo minucioso de mais de trinta obras expostas no Louvre.

De volta à Inglaterra, e com uma situação financeira cada vez melhor, em 1804 ele se sentiu suficientemente seguro para ampliar sua casa na Harley Street, construindo ali uma galeria onde organizava as próprias exposições: uma novidade entre os pintores britânicos, mas, na verdade, apenas mais um recurso de que Turner lançou mão para que seu trabalho fosse visto e mesmo compreendido.

Nos quinze anos seguintes ele iria restringir suas viagens à própria Inglaterra, visitando as propriedades e as regiões de seus patronos, fazendo estudos arquitetônicos e paisagísticos. No entanto, sua paixão por navios, pelo mar e pelos rios jamais arrefeceu. Em 1805 ele desenhou o Victory adentrando o rio Medway e trazendo ainda no convés o corpo do almirante Nelson.

Depois de viver por algum tempo em Hammersmith, Turner mudou-se para Isleworth, de onde supervisionou a construção de uma nova casa em Twickenham — sempre às margens do Tâmisa. Nessa ocasião seu pai juntou-se a ele, administrando seus negócios e trabalhando como seu assistente no estúdio.

Turner progredia e, pouco a pouco, foi sendo reconhecido como um dos maiores paisagistas de seu país.

O Cais de Calais - 1803

ITÁLIA: O IMPACTO DEFINITIVO

Mas a primeira visita que fez à Itália, no outono de 1819, iria provocar uma mudança radical em sua vida. Tinha, então, 44 anos e estava no auge de seu poder criativo. A Itália e sua arte o impressionaram sob todos os aspectos, mas nada o tocou tanto e tão profundamente como sua luminosidade. Em apenas dois meses, preparou aproximadamente 1.500 esboços em grafite. E teve, também, a oportunidade de observar e desenhar uma erupção do Vesúvio: um espetáculo, aliás, sob medida para seu gosto.

Depois de conhecer a Itália, Turner se decidiu a expressar uma visão própria da luminosidade e de seu poder. Nenhum artista antes dele imprimira a mesma intensidade ao tratar a luz enquanto pura cor. Apesar disso, ele não rompeu com seu passado, apenas estabelecendo uma nítida divisão entre o trabalho que fazia para manter sua renda e as telas experimentais, onde sua criatividade não via limites.

Continuou a viajar e a executar suas encomendas. Uma delas — na verdade, uma encomenda real — pedia que ele retratasse a Batalha de Trafalgar. Turner a fez banhada de patriotismo, mas, para sua grande decepção, o quadro não foi bem recebido na corte.

Em 1828, Turner estava de volta a Roma e novo explosivo impacto iria se desenvolver a partir dali em sua produção. No ano seguinte, porém, a morte de seu pai, aos 85 anos, foi um golpe tão terrível que, segundo um amigo, "Turner jamais mostrou ser o mesmo homem". Algumas visitas a Petworth, a convite de Lorde Egremont, trouxeram-lhe certo conforto e estimularam uma série de esplêndidos interiores. Logo depois, por volta de 1833, tudo indica que Turner iniciou novo relacionamento amoroso, com Sophia Booth, uma fazendeira de Margate. Tal como Sarah Danby, a sra. Booth era viúva recente dispunha de meios próprios de sobrevivência; na verdade, já se casara duas vezes antes. Mas, como sempre, um mistério envolveu também esse relacionamento e só se sabe mesmo que os dois estiveram juntos até a morte do pintor.

Logo no início da década de 1830, Turner passara a retratar cenas de Veneza e, após nova visita, em 1835, a cidade e sua extraordinária luminosidade tornaram-se uma obsessão, permeando definitivamente sua obra. Só que ela já estava ousada demais para o gosto popular da época, e o público não escondia sua contrariedade. Turner, porém, vivia sua plena maturidade artística. Seus quadros continuavam a ser expostos na Academia Real, e ele, por sua vez, enfrentava as hostilidades sem ceder; mais que isso, reagiu violentamente ao desprezo popular por suas conquistas estéticas, tornando suas imagens cada vez mais rarefeitas.

Mas também se isolava sempre mais. Comprou uma casa em Cheyne Walk, em Chelsea, numa curva do Tâmisa, onde viveu com a sra. Booth e em cujo sótão montou uma pequena galeria. Tornou-se mais recluso do que nunca, chamando a si mesmo de sr. Booth. Estava com mais de 70 anos e sua saúde dava sinais de declínio. Não deve ter sido à toa, portanto, que intitulou Visita ao Túmulo o último quadro que enviou para ser exposto na Academia Real. Morreu em 19 de dezembro de 1851, em seu quarto, observando o Tâmisa.

Foi enterrado na Catedral de São Paulo. Antes dos funerais, porém, os presentes se surpreenderam ao encontrar em sua galeria no sótão uma quantidade enorme de pinturas, muitas delas apodrecendo em seus esticadores e manchadas por goteiras. Em seu testamento, Turner deixava para sua pátria cerca de trezentos quadros a óleo e aproximadamente 20.000 aquarelas, pedindo que fossem alojados numa galeria especial. Também determinava que sua fortuna — somando 140.000 libras — fosse destinada a uma instituição que atendesse artistas ingleses necessitados, do sexo masculino. Mas seus desejos não foram cumpridos.

José Ferraz de Almeida Júnior

2011-11-24T01:00:00.000-08:00

José Ferraz de Almeida Júnior (Itu SP 1850 - Piracicaba SP 1899) ingressa na Academia Imperial de Belas Artes, em 1869, onde tem aulas de desenho com Jules Le Chevrel e de pintura com Victor Meirelles.

Conclui estudos em 1874, não concorre ao prêmio viagem e retorna a Itu, sua cidade natal. Abre ateliê em 1875 e atua como retratista e professor de desenho. Em visita à cidade, D. Pedro II impressiona-se com seu trabalho e concede-lhe uma bolsa de estudo para a Europa. Matricula-se na École National Supérieure des Beaux-Arts de Paris, França, entre 1876 e 1882, tornando-se aluno de Alexandre Cabanel.

Regressa para o Brasil em 1882 e expõe na Aiba as obras produzidas em Paris. Em 1883 instala ateliê em São Paulo. No ano de 1885, o pintor é agraciado com o título de Cavaleiro da Ordem da Rosa pelo governo imperial. Em 1886, Victor Meirelles o convida para ocupar sua vaga na Academia como professor de pintura histórica, mas ele prefere permanecer em São Paulo.

Entre seus alunos, destaca-se Pedro Alexandrino.

Johannes Vermeer

2011-11-22T01:00:00.000-08:00

Vermeer teria realmente existido? Esta questão persistiu durante muito tempo, devido à escassez de dados a seu respeito. São tão vagos esses sinais de sua existência que não permitem traçar um perfil claro de sua figura, reduzida ao contorno de uma silhueta.

Dele — cujo prenome Johannes ou Joannis costumava-se abreviar para Jan — há um primeiro registro: seu batismo, em 31 de outubro de 1632, na cidade de Delft, onde nasceu. Era o segundo filho de Reynier Janszoon e Digna Balthasars. Quando estava com quinze anos, seu pai adotou o sobrenome de Van der Meer ou Ver Meer, pelo qual seria conhecido. Reynier fora tecelão de seda, dono de uma estalagem e também comerciante de arte.

A Alcoviteira

Delft, onde Vermeer viveria sempre, era na época a quarta maior cidade da Holanda: próspera, tranqüila, tinha uma área central particularmente pitoresca, dominada por construções medievais e telhados de ângulos agudos. A cidade possuía uma tradição pictórica que remontava ao século XV, mas que já se encontrava em franca decadência quando Vermeer nasceu. Felizmente, porém, vários pintores talentosos ali se estabeleceram por volta de 1650, fazendo com que a carreira de Vermeer coincidisse com um breve período de ouro da pintura de Delft.

No entanto, não se sabe quais teriam sido seus mestres. Leonaert Bramer foi um dos apontados como provável, já que passou a maior parte de sua vida trabalhando em Delft, e sabe-se de uma ligação documentada entre ele e Vermeer: Bramer teria intercedido em favor do jovem quando sua futura sogra, Maria Thins, recusou-se a lhe ceder sua filha Catharina Bolnes em casamento. Bramer era um artista menor, ainda que lembrado por suas cenas noturnas, e seus quadros escuros e repletos de figuras nada têm em comum com os de Vermeer. Há ligações estilísticas mais evidentes que o aproximam de Carel Fabritius, aluno de Rembrandt, que se transferira para Delft por volta de 1650. O fato de que Fabritius tenha compartilhado com Vermeer o interesse pela experimentação óptica também reforça essa relação entre eles. Há outro indício: Fabritius morreu vítima da maior catástrofe que se abateu sobre Delft, quando um paiol de pólvora explodiu em 1654, destruindo parte da cidade. A morte de Fabritius motivou um editor local a compor um poema em sua homenagem, cujo último verso menciona Vermeer: "E assim este Fênix se extinguiu, para nossa perda, do alto de seu poder. Mas, felizmente, de suas chamas emergiu Vermeer, que seguiu seus passos com maestria". Esta afirmação não pode dar a noção exata do relacionamento de ambos, mas demonstra que os dois pintores estavam de algum modo associados perante a opinião pública. Pode-se também deduzir que nessa época Vermeer já era conhecido por seus contemporâneos.

RESPEITADO EM SEU TEMPO

Muito jovem ainda, em 29 de dezembro de 1653 ele se tornaria mestre da Guilda de São Lucas, em Delft. No início daquele ano desposou Catharina Bolnes. Como a jovem provinha de uma classe social mais elevada, sua mãe, rica e divorciada, opunha-se à união; só a interferência de Bramer e de outros cidadãos respeitáveis da cidade fez com que ela mudasse de idéia, convencendo-a do talento e das boas perspectivas do pretendente. O casal teve onze filhos, mas nenhum foi retratado pelo pai; no entanto, é muito provável que Catharina tenha servido de modelo para quadros como A Mulher de Azul Lendo uma Carta. Catharina era católica e é possível que Vermeer tenha se convertido à sua religião. Acredita-se ainda que, exatamente por isso, seu casamento religioso tenha sido clandestino, pois eram católicos num país recentemente liberado da tutela espanhola e radicalmente luterano; o catolicismo, então, era associado aos dominadores hispânicos e odiado por isso.

Vista de Delft

O pai de Vermeer morrera no ano anterior a seu casamento e tudo leva a crer que o filho tenha assumido a direção da estalagem, continuando a viver em "Mechelen", como se chamava a propriedade. Ele também precisava de uma fonte de renda complementar à da pintura para sustentar sua numerosa família. E é ainda provável que tenha prosseguido nos negócios de arte iniciado pelo pai, porque chegou a adquirir fama de connoisseur: em 1672 Vermeer estava em Haia (é a única vez que se tem registro de sua saída de Delft) para atuar como testemunha-perito numa discussão sobre a autenticidade de uma série de pinturas italianas. E segundo documentos ele teria severamente declarado que "não só não se tratavam de pinturas italianas notáveis, mas, ao contrário, eram exemplares de puro lixo".

O Estúdio do Artista

Vermeer deve também ter sido uma figura respeitável entre os artistas de Delft: depois de ser eleito para a diretoria da guilda, foi seu presidente por duas vezes, em 1662 e 1670. Além disso, um aristocrata francês diletante de arte, Balthasar de Montconys, que esteve na cidade em 1663, espantou-se com os "preços altíssimos" obtidos por seus quadros entre colecionadores holandeses. Na verdade, suas pinturas eram adquiridas tanto por colecionadores como oferecidas para saldar dívidas da família. Há também evidências de que Vermeer teve um mecenas, Jacob Dissius, que conservava em seu poder 19 trabalhos do pintor em 1682, sete anos após sua morte.

MORTE E ESQUECIMENTO

Apesar de tudo, Vermeer enfrentou dificuldades financeiras; em 1672 teria sido obrigado a alugar sua casa e se transferir com a família para a residência de sua sogra. Ainda nesse ano, a Holanda foi invadida pelo exército francês e, embora a força de ocupação tenha sido rapidamente expulsa, a crise econômica que se seguiu iria provocar um colapso no mercado de arte. Um colapso que agravou irremediavelmente a situação já instável do endividado pintor.

Data de 1675, por fim, um último registro oficial: sua morte, em 15 de dezembro, aos 43 anos. Deixava oito filhos menores e uma esposa à beira da miséria, mas decidida a salvar as obras do marido. Quando, pouco depois, foi declarada a falência de Catharina, ela conseguiu esconder quadros dos credores; mais tarde, chegou a um acordo com seu padeiro: poderia readquirir, com quantias mensais, obras que Vermeer lhe vendera em momentos de extrema dificuldade. A dona de um açougue, a quem Catharina devia também, mostrou-se compreensiva e lhe devolveu 26 telas.

A Rendeira

Depois de sua morte pairou sobre o nome de Vermeer um esquecimento imperdoável, que só seria desfeito pela crítica dois séculos depois, quando o perito francês Thoré-Bürger lhe atribuiu 76 telas — embora o número reconhecidamente autêntico oscile hoje entre 35 e 21. Não há, portanto, unanimidade em relação a todos os trabalhos que integram as maiores galerias do mundo. O excepcional valor do trabalho de Vermeer também teve o reconhecimento e a admiração incondicional do escritor francês Marcel Proust, que exaltou suas pinturas no romance Em Busca do Tempo Perdido. A pessoa de Vermeer, porém, ainda permanece como o próprio Proust definiu: "um enigma numa época em que nada se parecia com ele nem o explicava".

Vermeer viveu num momento agitado por guerras. A Holanda, além de conquistar seu território ao mar, conquistava também sua soberania nos campos de batalha, enfrentando a Espanha, a França, a Inglaterra, a Suécia e a Dinamarca. Paradoxalmente, porém, nenhum traço de perturbação ou de desordem parece agitar seus quadros. Delft era uma ilha de tranqüilidade burguesa em meio ao recrutamento dos jovens holandeses para defesa da nacionalidade.

Jacopo Tintoretto

2011-11-20T01:00:00.000-08:00

Jacopo Robusti (seu pai era tintureiro. Tintore em italiano, e o pintor ficou conhecido como Tintoretto) foi o maior pintor que Veneza conheceu, depois de Ticiano. Nasceu na ilha-república e raramente saiu de suas prais, restringindo seus interesses à vida familiar e à arte. Foi grandemente influenciado para efervescência do movimento religioso da Contra-Reforma e buscou, por meio de sua arte, concretizar uma visão altamente subjetiva e pessoal, que se recusava a ficar presa às regras renascentistas do equilíbrio formal e do naturalismo. Mestre do desenho, fascinado pelo corpo humano em movimento, criou uma quase infinita coleção de poses e gestos dramáticos e dinâmicos. Suas violentas distorções e a maneira original com que utilizava as cores dão a seu trabalho um tom quase alucinatório, antecipando o Barroco e o Maneirismo.

Conta a lenda que nas paredes do estúdio de Tintoretto estava escrito o seguinte slogan: “O desenho de Michelangelo e as cores de Ticiano”.

Mas deve-se tomar cuidado em interpretar o papel dessas duas figuras máximas da geração que precedeu Tintoretto na arte desse pintor: elas serviram mais como ponto de partida do que propriamente como modelo de estilo e técnica. Tintoretto permaneceu como um dos mais determinados individualistas, para quem cada nova conquista técnica prestava-se à evolução de um estilo cada vez mais singular.

Ao contrário de Ticiano e Michelangelo, Tintoretto era muito menos um produto da Renascença acadêmica do que da espiritualidade efervescente da Contra-Reforma. Podemos ver algumas das qualidades que o tornaram diferente de seus antecessores em seu primeiro grande sucesso público, São Marcos Salvando um Escravo. Aí, a serenidade do estilo de Giorgione e de Ticiano é abandonada em favor de um traço violento, que expressa o carateer sobrenatural do milagre.

A dramática inversão do Santo é um notável exercício da técnica de aproximação. A força da figura é demonstrada pelo conjunto da composição, com figuras contorcidas, flagradas em pleno movimento. O que Tintoretto queria mostrar aqui era o abalo causado pelo milagre.

Segundo contam seus biógrafos, Tintoretto modelava figuras em cera e as colocava num palco de madeira, no meio de velas dispostas nos mais variados ângulos. Em seguida, levava o cenário a um aposento escuro e ascendia as velas, daí desenhando a cena em miniatura. Dessa maneira, ele conseguia captar o efeito global do arranjo das figuras, e juntá-las por meio do uso de uma iluminação originalíssima.

Tintoretto não estava interessado em captar a “aparência natural” das cenas. Em seu trabalho, seres inspirados nas figuras heróicas e musculosas de Michelangelo são contorcidos numa variedade de poses carregadas de emoção, muitas vezes alongados além das possibilidades reais da natureza. Em Tintoretto, a coloração rica que lembra Ticiano é distorcida por gritantes contrastes de luz e sombra, como se a cena estivesse iluminada por seguidos relâmpagos, num clima de alucinação.

Estes exageros de movimento e luz não serviam apenas para provocar efeitos de impacto. À medida que sua carreira se desenvolvia, as composições de Tintoretto tornaram-se incrivelmente complexas. Ele concentrava toda uma ação num ângulo oblíquo para o espectador, ou estabelecia grandes contrastes entre primeiro plano e fundo. Um mínimo detalhe no canto de uma tela às vezes ganha destaque por estar fortemente iluminado, realçando suas cores brilhantes, em oposição ao resto do quadro, relegado à sombra. Aquilo que começou como um pequeno arranjo de figuras de cera sobre um minúsculo palco de madeira acabou se transformando em algo que jamais poderia ser apresentado num teatro real em três dimensões: tornou-se um drama desempenhado num espaço misterioso de infinita profundidade.

Apesar do forte clima fantástico, Tintoretto insistia em incluir em quase todas as suas obras uma infinidade de detalhes do mundo cotidiano. Para alguns críticos contemporâneos, esses detalhes eram mais chocantes do que as próprias e terríveis distorções em sua pintura. Um deles condenou sua A Última Ceia (na Igreja de São Trovaso) por achá-la “reduzida a um banquete comum”. Mas Tintoretto fazia questão de pintar com amor tanto uma simples cesta de pão como uma mesa de madeira, ou as tranças de uma mulher, os pregos e a madeira do crucifixo, ou mesmo a cera que pinga da vela. Para ele, tais detalhes eram tão importantes quanto as figuras sagradas dos santos e dos anjos. O pintor encontra o mistério divino no próprio realismo dos objetos comuns.

Embora Tintoretto tenha recebido bastante ajuda de seus assistentes de estúdio, em suas maiores obras, particularmente aquelas da Escola de São Roque, sua marca pessoal é claramente reconhecível. A pincelada livre, solta, que Ticiano havia introduzido, tornou-se como que a caligrafia de Tintoretto. Alguns críticos qualificavam-na de áspera e incompleta. Mas essa qualidade “inacabada” concedeu à obra de Tintoretto um ar de frescor e modernidade, antecipando os impressionistas que viriam séculos depois.

Nos últimos trabalhos de Tintoretto, essa tendência é levada ao extremo. A pincelada é rápida e brusca: a cor, fragmentada em fios de luz, e as figuras mais alongadas e acrobáticas que nunca. Algumas de suas obras finais consistem de uma interação de sombras com as partes mais iluminadas e são pintadas quase exclusivamente em uma cor só. Sempre que perguntado sobre suas cores preferidas, Tintoretto respondia: “Preto e branco, porque dá força à forma, modelando sua sombra, e o outro a atenua, pela luz”.

Tintoretto foi um artista do comprometimento e da paixão. Embora fosse um exímio retratista e habilidoso decorador de grandes superfícies, era antes de tudo, um pintor visionário dos dramas religiosos. Em sua busca pela verdade do espírito, ele estava preparado para ir contra os cânones da forma, contra as noções de realismo e de acabamento, e era capaz de distorcer e até mesmo desfigurar o corpo humano, dominando um estilo único e inconfundível.

Hilaire Germain Edgar Degas

2011-11-18T01:00:00.000-08:00

(1834-1917)

Hilaire Germain Edgar Degas, pintor impressionista francês, nasceu em Paris e pertencia a uma família rica. De 1854 a 1859 viajou pela Itália, estudando os grandes pintores da Renascença a fim de aperfeiçoar seu desenho e seu estilo.

Sua intenção era tornar-se pintor de cenas históricas, mas abandonou este tipo de pintura porque sentiu necessidade de pintar temas modernos. Começou então a pintar cenas da vida cotidiana, principalmente pistas de corridas de cavalo e cenas de balé. Na década de 1870, Degas começou a usar técnicas ousadas de composição; colocava suas figuras em ângulos estranhos e usava perspectivas fora do usual.

Na década seguinte começou a concentrar-se em cenas de intimidade, como mulheres tomando banho, fazendo compras e penteando o cabelo. Degas, mais que qualquer outro impressionista, deu ênfase à composição, ao desenho e à forma. Pintou muitos quadros a óleo, mas trabalhava muito bem com pastel. Também foi excelente escultor e fez muitas estatuetas de argila e cera.

Pierre Auguste Renoir

2011-11-16T01:00:00.001-08:00

Mestre do impressionismo, Pierre Auguste Renoir acreditava que a natureza proporcionava os melhores temas para um pintor e dizia "o artista que usar o mínimo do que chamamos imaginação será o melhor."

Nascido em Limoges, Renoir mudou-se para Paris e começou a sua carreira como aprendiz de pintor em uma fábrica de porcelana. Seus estudos formais começaram na École des Beaux-Arts em 1862 e continuaram no estúdio de Gleyre, onde pintou com os companheiros impressionistas Sisley e Monet. As primeiras obras de Renoir demonstram seu amor pela pintura francesa do século 18, bem como a influência de Courbet e Delacroix.

Seus retratos de mulheres, geralmente ocupadas em atividades mundanas do dia-a-dia, demonstram sua habilidade com as cores. Trabalhando em pequena escala, o artista usou as sutilezas de luz e cor para modelar seus temas. Nos primeiros anos do século 20, Renoir, prejudicado pelos efeitos do reumatismo, se recolheu à sua casa no sul da França, onde se voltou para a pintura de seu tema favorito: mulheres nuas. Estas obras de extrema sensibilidade, reconhecidas dentre as melhores do artista, representam a retomada do estilo das pinturas iniciais de Renoir, invocando os nus do mundo clássico.

Hieronymus Bosch

2011-11-16T01:00:00.000-08:00

Conhecido e admirado em todo o mundo - Jheronimus (ou Jeroen) Anthonissen van Aken — o Hieronymus Bosch — nasceu por volta de 1450 na província holandesa do Brabante Setentrional, muito provavelmente na pequena cidade de 's-Hertogenbosch, da qual é quase certo que derivou seu sobrenome artístico.

Acredita-se que a família era originária de Aachen, na Alemanha, conforme sugere o sobrenome, e estabelecera-se na Holanda ainda no início do século XV. O pai de Bosch, Anthonius van Aken, era pintor, assim como o avô, Jan, dois ou quatro tios, o irmão Goossen — que herdou a oficina paterna — e uma irmã (Heberta ou Katherine).

UMA VIDA TRANQUILA

Quase nada ou, muito pouco, se sabe sobre a vida de Bosch, mas com uma vida tranqüila e confortável, em sua infância morou numa casa abastada, onde religião e arte eram assuntos de fundamental importância. Morou a partir de 1462, num casarão da Grote Market, a praça mais importante de 's-Hertogenbosch, onde estava instalada a feira de tecidos, principal riqueza da cidade.

Os Van Aken mantinham estreitas relações com a Catedral de São João, edifício gótico que constituía um dos maiores orgulhos da população local. Recebendo encomendas para decorar peças de mobiliário e colorir estátuas, e é possível que Jan tenha pintado um afresco sobre a Crucifixão, datado de 1444.

O caminho da dor

Poucas biografias existem sobre Bosch, e nenhuma fornece indicações a respeito de seu aprendizado.

Há hipóteses de alguns estudiosos — não comprovadas — de que tenha estudado em algum centro próximo, como Utrecht, onde teria entrado em contato com as iluminuras que influenciaram sua obra em determinado período.

É mais provável, no entanto, que tenha se iniciado na arte sob a orientação do pai ou de um dos tios (o avô havia morrido na época de seu nascimento).

Em torno de 1480 ou 1481, possivelmente, Bosch recebeu o grau de mestre na corporação dos pintores de 's-Hertogenbosch. Nesta mesma época, é citado pela primeira vez como marido de Aleyt Goyaerts van den Meervenne, com quem se casara em cerca de 1478, esta era alguns anos mais velha e proveniente de uma rica família local. Aleyt sem dúvida favoreceu-o com polpudo dote e ajudou-o a estabelecer importantes contatos sociais. Seu casamento trouxe a Bosch prosperidade, tornando-se proprietário de terrenos na vila vizinha de Oorschot e vários outros imóveis, que lhe permitiram viver confortavelmente até seus últimos dias — embora também lhe causassem trabalho e preocupação, pois, sabe-se que por várias vezes precisou cuidar de questões referentes a esses bens e parece que em 1481 envolveu-se num processo legal com o cunhado. Embora esses problemas, não devem ter afetado sua vida conjugal, que, acredita-se, transcorreu feliz, num lar tranqüilo e sem filhos.

LIVRE ESPÍRITO E VIDA COMUM

A natureza das obras de Bosch eram bizarras e fantásticas, o que levou a algumas especulações extravagantes sobre sua vida.

Propostas por Wilhelm Frãnger, uma das teses mais conhecidas, sugere que o pintor pertencia ao grupo Homines Intelligentiae, organização satélite da seita dos Irmãos e Irmãs do Livre Espírito, também conhecidos como adamitas. Seita herética que surgiu no século XIII e, durante o século XV, fora difundida pela Alemanha, Bélgica e Holanda. Seus adeptos acreditavam que, toda a humanidade seria salva desde que recuperasse a inocência de Adão e Eva no Paraíso perdido, e o meio mais eficiente de atingir este objetivo seria a prática do ato sexual em promiscuidade ritualística. De acordo com essa tese, o célebre tríptico 0 jardim das Delícias focalizaria a orgia ritual de alguns adamitas de s-Hertogenbosch. Nenhuma prova existe de que Bosch, ou qualquer outra pessoa da cidade pertencessem à seita do Livre Espírito, nem que esta tenha sobrevivido até a época da elaboração do tríptico.

O Jardim das Delícias - painel lateral

A hipótese muito mais viável é a de que Bosch tenha participado da Irmandade da Vida Comum, uma das muitas confrarias religiosas que proliferavam em 's-Hertogenbosch. Criada no século XIV por Gerhard Grote, discípulo do grande místico e eremita flamengo Jan van Ruysbroeck, e levada para a cidade de Bosch na primeira metade do século XV, esta Irmandade pregava um novo espírito de vida religiosa, combatia ao mesmo tempo as seitas heréticas e a corrupção do clero. A firme devoção de seus adeptos levava-os a renunciar aos apelos do mundo e a partilhar tudo que possuíam. As idéias da Vida Comum provavelmente exerceram forte influência sobre a religiosidade e a arte de Bosch, que as teria apreendido tanto nas reuniões a que provavelmente comparecia como nas obras de místicos flamengos contemporâneos que também as adotavam.

A IRMANDADE DE NOSSA SENHORA

Foram possivelmente as mesmas idéias que ocasionaram profunda mudança na orientação da Irmandade de Nossa Senhora. Fundada em 1318, a Irmandade durante quase um século dedicou-se basicamente a tarefas ligadas ao culto, sobretudo ao culto mariano; seus membros, homens e mulheres, leigos e religiosos, tratavam, entre outros encargos, de providenciar novas composições musicais para suas missas diárias e encomendar obras de arte para adornar sua própria capela na Catedral de São João, onde mantinham uma imagem da Virgem tida como miraculosa. Talvez sob influência da Vida Comum, a partir do século XV a Irmandade passou a dedicar-se também a obras de caridade, ampliando ainda mais sua importância na vida da cidade.

O Jardim das Delícias - painel central

Bosch ingressou na Irmandade de Nossa Senhora em 1486 ou 1487, onde sua mulher era membro.Seu nome, porém, começou a constar dos registros da confraria alguns anos antes. Estes informam, por exemplo, que em 1480/81 Bosch comprou da Irmandade dois retábulos que seu pai deixara inacabados; não há maiores explicações a respeito, mas é possível ter adquirido as obras com a intenção de concluí-las. Mais tarde, entre 1488 e 1492, Bosch pintou as portas de um retábulo de madeira sobre Nossa Senhora, cujo painel central fora esculpido em 1476/77 por Adriaen van Wesel, de Utrecht. Elaborou no ano de 1493/94, um vitral para a nova capela da Irmandade. Entre 1499 e 1503, os registros silenciam a seu respeito, supondo-se que, nesse período, Bosch tenha viajado para a Itália.

EXÉQUIAS PELO INSIGNE PINTOR

Bosch, já no início do século XVI era um pintor conhecido dentro e fora de seu país, e no ano de 1504, recebeu sua mais importante encomenda até hoje documentada. O Duque de Borgonha, conhecido por - Filipe o Belo, encarregou-o de pintar um grande retábulo sobre o Juízo Final, que nunca foi encontrado. Acreditam alguns, que haja um fragmento dessa obra em Munique e que o tríptico com o mesmo título conservado em Viena constitua uma versão menor do retábulo.

O Jardim das Delícias - painel lateral

Trabalhou assiduamente para a Irmandade de Nossa Senhora, para a qual, entre outras obras, projetou um crucifixo em 1511/12 e um candelabro em 1512/13. Isto é tudo que se sabe sobre ele nesse período. No dia 9 de agosto de 1516, vem a notícia de que foram celebradas na capela da Irmandade solenes exéquias pelo "defunto irmão Jheronimus van Aken, aliás Bosch, insigne pintor".

Henrique Bernardelli

2011-11-14T01:00:00.000-08:00

Chileno nascido em 1858, Henrique Bernadelli mudou-se ainda criança para o Brasil, em 1865, quando seus pais, um violinista e uma bailarina, foram contratados pelo Imperador Dom Pedro II para serem preceptores das princesas imperiais.

Em 1870 matriculou-se na Academia Imperial de Belas Artes, onde foi aluno de Victor Meirelles, Zeferino da Costa e Agostinho da Motta, entre outros. Seguindo seu irmão, Rodolfo Bernadelli, Henrique terminou brilhantemente seu curso na Academia e mudou-se para Roma, onde durante os anos de 1878 a 1886 estudou pintura.

Esta estada foi, definitivamente, a maior influência em sua obra futura, que se diferenciou gritantemente da realizada por outros artistas brasileiros na época. Estes estavam influenciados pelas vertentes parisienses, enquanto Bernadelli desenvolveu em Roma um estilo mais ousado, sem sentimentalismos ou divagações filosóficas.

De volta ao Brasil em 1886, Bernadelli fez-se notar através de uma exposição no Rio de Janeiro, em que expôs obras trazidas de Roma, como Mater e A Messalina. Ambas acompanham uma tendência natural do artista a acentuar a naturalidade das coisas, o que estaria presente em suas outras obras.

Enquadrado dentro de um realismo quase que teatral, Bernadelli foi um elemento renovador da pintura brasileira da época, altamente influenciada pelas escolas francesas. Mesmo com um estilo original e ousado, o artista manteve-se fiel a pintura acadêmica, embora tenha tido romances com a pintura impressionista.

Henrique Bernadelli lecionou pintura na Academia entre os anos de 1891 e 1905, e mais tarde dedicou-se ao ensino particular em sua residência. Entre seus alunos estiveram Lucílio de Albuquerque, Georgina de Albuquerque, Eugênio Latour, Hélios Seelinger e Arthur Timótheo da Costa. Faleceu no ano de 1936, no Rio de Janeiro.

Giovanni Battista Castagneto

2011-11-12T01:00:00.000-08:00

Nasceu em Gênova, Itália, chegando ao Rio de Janeiro em outubro de 1874, a bordo do navio francês La France, e ingressando, quatro anos depois, na Academia Imperial das Belas Artes. Em fevereiro de 1882 é admitido como professor de Desenho de Figuras no curso profissional do Liceu de Artes e Ofícios. Já no ano seguinte colaborou, como assistente do professor João Zeferino da Costa, na realização das pinturas para a igreja da Candelária. Participou da célebre Exposição Geral de Belas Artes de 1884, recebendo primeira medalha de ouro, mesma distinção que havia sido concedida na premiação ao seu mestre Johann Georg Grimm.

O ano de 1886, quando expôs na Casa Vieitas, foi marcado pelo início da grande popularidade que a obra do artista desfrutou. Em 1887 deixou de lecionar no Liceu de Artes e Ofícios e expôs na Glace Élégante, já se observando significativa evolução formal em sua pintura, melhor caracterizada a partir do ano seguinte e muito radicalizada nos anos posteriores à viagem que faria à França.

Em 1890 expôs na redação do jornal O Farol, em Juiz de Fora, embarcando em novembro, pelo paquete francês Brésil, para a Europa. Recebeu orientação de François Nardi e Frédéric Montenard, fixando-se principalmente na cidade portuária de Toulon. Ao retornar ao Brasil, participou da Exposição Geral de Belas Artes em 1894 e lecionou no Liceu de Artes e Ofícios do Grêmio Literário Guarani, em Niterói.

Residindo durante seis meses na ilha de Paquetá, a obra do artista atingiu o ponto mais elevado nos anos de 1897 e 1898. De temperamento rebelde, quase anti-social, sua vida boêmia e carente de recursos materiais, associada à uma constituição física muito frágil, conduziu-o a sucessivos períodos de doença e à embriaguez contumaz dos últimos anos de vida. Faleceu na casa de saúde Ferreira Leal, em Botafogo, no Rio de Janeiro.

Giotto di Bondone

2011-11-10T01:00:00.000-08:00

Giotto di Bondone nasceu em 1267 em Colle di Vespignano, uma aldeia da região de Mugello, na Itália, a nordeste de Florença. Segundo a lenda, seu pai, Bondone, era dono de uma pequena propriedade rural no vilarejo e criou o menino para pastorear suas ovelhas pelas colinas nas redondezas.

A história da descoberta de Giotto como artista foi narrada inicialmente pelo escultor Lorenzo Ghiberti em seus Comentários, escritos em meados do século XV, e tem sido repetida pelos críticos desde então. Ghiberti conta que o jovem Giotto estava sentado num campo com seus rebanhos, desenhando uma ovelha com carvão numa rocha. Ao passar por ele, o célebre pintor florentino Cimabue ficou espantado com a habilidade e a aptidão inatas do menino para o desenho. Acompanhou-o então ao vilarejo e pediu permissão a seu pai para levá-lo como aluno. O pai, muito pobre, concordou, enviando Giotto para a oficina de Cimabue.

O APRENDIZADO COM CIMABUE

Apesar de seu tom fictício e romântico, a história contém, provavelmente, algo além de uma simples pitada de verdade. Quaisquer que tenham sido as circunstâncias do encontro, é quase certo que Giotto se tornou aprendiz de Cimabue ainda muito jovem e provavelmente se transferiu para a oficina florentina do artista no final da década de 1270. Esse contato precoce com Cimabue teve uma importância decisiva para o jovem Giotto. Cimabue era o mais proeminente artista de seu tempo e o primeiro pintor florentino a absorver em sua arte a influência do Classicismo. Trabalhara em Roma em 1272, observando atentamente a escultura clássica, assim como a pintura mural do cristianismo primitivo, que na época estava sendo recuperada e restaurada pelo pintor Cavallini. Em seu retorno a Florença, muitos anos depois, passou a trabalhar com um naturalismo que interessou profundamente ao jovem aprendiz, formando a base de seu próprio estilo revolucionário.

O aprendizado de Giotto com Cimabue durou até cerca de 1280, quando o mestre foi chamado a Assis para trabalhar na Basílica de São Francisco. Tratava-se de um encargo importante, já que a basílica era a principal igreja da Ordem Franciscana, local da sepultura do próprio São Francisco. Alguns anos mais tarde, também Giotto seria convidado a trabalhar no grandioso projeto decorativo da basílica.

Quando Cimabue deixou Florença, Giotto era ainda apenas um menino e provavelmente ficou na cidade trabalhando com os assistentes do artista nos encargos da oficina. Por volta de 1285, entretanto, fez uma visita a Roma, onde viu, pela primeira vez, as pinturas e esculturas que tanto haviam impressionado seu mestre.

Até esse ponto, nenhum trabalho seguramente atribuído a Giotto chegou até nós, e não se sabe se recebeu encargos próprios em Roma. Durante os anos seguintes, contudo, adquiriu considerável reputação como pintor. Por volta de 1287, transferiu-se para Assis a fim de trabalhar na Basílica de São Francisco. Nessa época, Cimabue já retornara a Florença e é provável que Giotto estivesse trabalhando por conta própria, com seus próprios assistentes.

O CICLO DE ASSIS

As datas e atribuições precisas dos trabalhos de Giotto em Assis têm sido objeto de contínuos debates, embora a maior parte dos estudiosos concorde atualmente que o artista foi largamente responsável pelo ciclo de 28 cenas da vida de São Francisco que adornam a Basílica Superior. O ciclo ocupou Giotto e seus assistentes até o final de 1299. Depois que terminou esse trabalho, Giotto foi chamado a Roma para executar uma encomenda do Papa Bonifácio VIII. No início de 1300, o papa promulgou um grande jubileu na cidade e, para marcar a ocasião, encarregou o artista de criar um afresco comemorativo que mostrasse o pontífice dirigindo-se às multidões do balcão do Palácio Laterano, a então residência papal. Atualmente o afresco se encontra bastante danificado. E possível que tenha sido executado por assistentes, mas o desenho é certamente de autoria de Giotto. Essa encomenda do pontífice nos dá uma clara indicação do prestígio do artista nessa época.

Em 1301, Giotto estava de volta a Florença, que logo se tornou seu lugar de residência. Durante os anos em que viveu em Assis, fizera repetidas viagens a Florença, pintando retábulos e crucifixos para as igrejas locais. Durante uma dessas visitas, Giotto se casou. Sua mulher, Ricevuta di Lapo del Pela, conhecida como Ciuta, daria oito filhos ao artista.

Na época em que voltou de Roma, Giotto estava ansioso para fixar residência com sua família e, em 1301, comprou uma casa em Florença, na paróquia de Santa Maria Novella. Contudo, sua estada ali não duraria muito, pois no ano seguinte foi chamado a Pádua pelos Frades Menores, para pintar um ciclo de afrescos, hoje perdidos, numa igreja dedicada a São Francisco. Foi durante esta viagem a Pádua que Giotto recebeu sua primeira encomenda conhecida de um cliente secular. Decorou a capela particular de Enrico degli Scrovegni.

Scrovegni era um homem de posses muito influente e, em 1302, obteve permissão do Bispo de Pádua para erguer uma capela no lugar de um antigo anfiteatro romano. Apesar dos protestos de uma comunidade local de monges, a construção seguiu adiante e a Capela Arena, também conhecida como Capela Scrovegni, foi consagrada com uma grande cerimônia, três anos depois.

A CAPELA ARENA

Por volta de 1303, Scrovegni pediu a Giotto para decorar a capela com cenas da Vida de Cristo e da Virgem. O interior simples adequou-se de maneira ideal ao estilo monumental de Giotto, e os afrescos que produziu não tinham precedentes em sua força dramática e no vigor de suas cores. Scrovegni, o dono da capela, tinha grande orgulho em exibir seu primoroso interior, abrindo periodicamente o local à visitação pública. Em 1304, o Papa Benedito XI concedeu indulgência a todos aqueles que fizessem peregrinação até a capela; os afrescos de Giotto tornaram-se, então, amplamente conhecidos. Em poucos anos já eram descritos com pródigos louvores pelos críticos da época.

Quando Giotto retornou a Florença, em 1306, sua notoriedade estava firmada. Alguns anos mais tarde, Dante invocaria o nome de Giotto em sua Divina Comédia, descrevendo-o como o maior artista vivo de seu tempo. Ao que se sabe, esta foi a primeira vez que um artista se viu aclamado publicamente em sua própria época, o que nos dá uma clara indicação do admirável êxito de Giotto. Daí em diante, poetas e cronistas aplaudiram constantemente a obra do artista, difundindo a lenda de Giotto como fundador de uma nova arte.

Nos vinte anos seguintes, Giotto residiu a maior parte do tempo em Florença, embora tenha feito rápidas incursões por Roma, Rimini e Pádua, onde trabalhou novamente para Scrovegni. Ao mesmo tempo, realizou numerosos afrescos, retábulos e crucifixos para igrejas, em sua própria cidade.

O êxito de Giotto como artista reflete-se não apenas nos tributos literários que recebeu, mas também em seus empreendimentos financeiros. Na mesma proporção que recebia encomendas como pintor, Giotto realizava diversos negócios, oferecendo empréstimos, alugando casas, financiando tecelagens, comprando e vendendo terras em Colle di Vespignano, sua cidade natal. Os documentos da época também mostram-no como um homem bastante envolvido com questões familiares. Em 1318, Giotto emancipou formalmente seu filho Francesco, que se tornou prior de uma igreja local e administrador legal das propriedades do pai. Ofereceu também um lote de terra para sua filha Bice e, em 1326, o artista consentiu no casamento de sua filha Chiara, concedendo-lhe um dote bastante substancial.

Segundo todas as fontes, Giotto era um homem amável, com uma inteligência arguta e um senso claro de seu valor como artista. O biógrafo Vasari relata que, em certa ocasião, o Papa Benedito XI desejava realizar pinturas para a Basílica de São Pedro e enviou um de seus áulicos para descobrir que espécie de homem era Giotto e como era seu trabalho. O mensageiro pediu a Giotto um desenho que pudesse levar de volta ao papa. Giotto imediatamente apanhou um pedaço de papel e um pincel e, com um rápido movimento de uma única mão, traçou um círculo perfeito. O áulico achou que estava sendo ridicularizado e levou o desenho ao pontífice com grande constrangimento. Mas, quando explicou a forma como o artista desenhara o círculo, sem o auxílio de um compasso, o papa e os mais cultos de seu séquito reconheceram, imediatamente, a superioridade do talento do artista.

UMA FAUSTOSA CLIENTELA SECULAR

Ao mesmo tempo em que recebia numerosas encomendas da Igreja, Giotto continuava requisitado por clientes seculares. Por volta de 1320 recebeu um encargo de Giovanni Peruzzi, chefe de uma poderosa família de banqueiros, para realizar um afresco em sua capela particular na Igreja de Santa Cruz. Logo que concluiu a incumbência, pediram-lhe que decorasse a capela adjunta dos Bardi, uma preeminente família de banqueiros.

Os afrescos para as capelas dos Peruzzi e dos Bardi foram em grande parte pintados em fresco secco, uma técnica em que os pigmentos são aplicados a um estuque seco. Embora menos durável que o afresco em gesso úmido, o fresco secco permite ao artista trabalhar de maneira mais flexível, fazendo uso mais extensivo de seus assistentes e realizando grandes trabalhos em pouco tempo. A escolha dessa técnica por Giotto é um reflexo de seu imenso número de encomendas, pois isso lhe permitia elaborar os desenhos e deixar a execução a cargo de uma grande equipe.

Em 1328 Giotto foi chamado a Nápoles para trabalhar para o rei, Roberto d'Anjou. As pinturas que executou ali foram destruídas pelos regentes subseqüentes da cidade, mas as crônicas contemporâneas relatam que o artista trabalhou intensamente. O rei tinha Giotto em alta conta e, a partir de 1332, ofereceu-lhe uma pensão anual.

Apesar de sua origem camponesa, Giotto adaptou-se prontamente aos modos da corte, desfrutando de um relacionamento afável e familiar com seu influente patrono. Giorgio Vasari conta como o rei freqüentemente ia observar o artista enquanto ele trabalhava. Giotto, que tinha sempre algum gracejo à mão, mantinha o interesse do monarca tanto por sua pintura como por suas observações espirituosas.

NOMEAÇÕES DE PRESTIGIO

Em 1334 Giotto estava de volta a Florença, onde sua carreira sofreu uma guinada inesperada. Em 12 de abril foi nomeado Diretor dos Trabalhos da Catedral. Também foi feito governador dos Trabalhos da Comuna, cujas responsabilidades incluíam a construção dos novos muros da cidade. Parece improvável que Giotto possuísse alguma experiência como arquiteto, embora alguns estudiosos atribuam a ele o projeto da Capela Scrovegni. Mas a Comuna valorizava, evidentemente, seu julgamento artístico, e sua conduta diplomática era, sem dúvida, inestimável num trabalho que envolvia a gerência de grandes equipes de trabalhadores. A Comuna também estava ansiosa por manter Giotto na cidade e esperava retê-lo permanentemente com a tentação de um cargo de prestígio.

Quando da nomeação de Giotto, a Catedral ainda estava em construção. Sob sua direção, ergueu-se o magnífico campanário, e Giotto talvez tenha sido responsável por seu projeto. Desenhou, também, uma série de relevos para adornar a parte inferior da torre, que foram executados pelo escultor Andrea Pisano.

O campanário da Catedral de Florença foi o último trabalho de Giotto. Em 8 de janeiro de 1337, depois de uma breve viagem a Milão, o artista morreu na mesma Florença. Foi enterrado às expensas da Comuna, uma honra sem precedentes para um pintor. Sua reputação se mantinha viva mais de um século depois, quando um decreto público determinou a construção de uma grande sepultura memorial para o artista. O epitáfio proclamava orgulhosamente: "Sou o homem que deu vida à pintura... tudo o que possa ser encontrado na natureza poderá ser visto em minha arte".

Giambattista Tiepolo

2011-11-08T01:00:00.000-08:00

Veneza na época do nascimento de Giovanni Battista (ou Giambattista) Tiepolo, nascido em 1696, já era uma cidade turística importante, de grande procura por suas belezas naturais, por sua arquitetura, por seus jogos de azar e por sua vida noturna intensa. Seu pai faleceu quando Giambattista tinha apenas 1 ano, mas como negociante de navios, deixa mulher e cinco filhos em condições financeiras confortável.

Veneza, na época de seu nascimento, nos planos cultural e político, vivia de glórias do passado. A república veneziana estava sob o controle exclusivo de uma aristocracia altamente corrupta e reacionária, opondo-se a mudanças, numa resistência a quaisquer idéias que viessem do exterior.

O Martírio de Santa Ágata

A vida de um artista na Veneza do século XVIII era especialmente difícil e competitiva. O Estado, que até então era o patrocinador da maioria das obras-primas da arte renascentista vivia tempos de declínio.

Turistas chegados à cidade buscavam pequenos souvenirs, enquanto a aristocracia mantinha um interesse pela arte dos mestres antigos e não optavam pela compra de obras da vanguarda da época. Este apoio vinha da igreja, incentivando os novos valores, onde o sucesso de um artista, independente de quem o protegesse, dependia da rapidez com que podia criar suas obras. Desta adaptação veio o sucesso de Tiepolo.

Veneza só veio a ter a sua primeira academia de Pintura e de Escultura em 1750, e até então, Tiepolo segue um hábito medieval, tornando-se aprendiz de um estúdio.

Seu primeiro biógrafo, Vincenzo Da Canal, relata que o zeloso Gregorio Lazzarini foi seu mestre, mas que o artista "todo espírito e fogo" rapidamente o abandona seguindo seu próprio caminho – mais livre e rápido.

Diante de tal personalidade, torna-se um autodidata, recolhendo lições nas ruas, nos estúdios de pintores modestos, no exercício diário do desenho, na arte de Veronese, Tintoretto e Caravaggio, ou seja, buscando informações que contribuíssem com seu desenvolvimento.

PRIMEIROS EXITOS

Aos 20 anos Tiepolo foi vencedor de uma competição de pintura com a obra A Travessia do Mar Vermelho, a qual lhe proporciona evidência no mundo artístico da época. Esta obra, exposta nas proximidades da Igreja de São Roque, numa galeria ao ar livre, mais tarde foi perdida.

Em 1717, já no ano seguinte, Tiepolo consegue ser acolhido pela Associação de Pintores Venezianos, a qual era extremamente exigente, e dois anos após, bem estabelecido na vida, casou-se com Cecilia Guardi, irmã do paisagista Francesco Guardi, mantendo uma união feliz.

Desta união nasceram 9 filhos, Domenico — nascido em 1727 — e Lorenzo, em 1736, foram seus assistentes.

A aristocrática família Dolfin, patronos mais ousados da época, asseguram o futuro de Tiepolo, dando-lhe o seu apoio. A decoração da imensa sala de seu palácio em Veneza, com várias cenas da história romana pintadas a óleo, lhe foi encomendada. O arcebispo de Udine, membro da mesma família encomenda a pintura dos afrescos de uma galeria de seus palácio. Estes foram os primeiros trabalhos do artista em afresco, arte que estava renascendo em Veneto — arredores de Veneza — após mais de um século de abandono. A reputação de Tiepolo se deve, aliás, aos afrescos, arte que dominou com invulgar virtuosismo.

Europa

Um arquiteto, um estucador, um ornamentista, um dourador e um quadratura (pintor arquitetural), que se responsabilizava pela diferente e elaborada estrutura de frisos e superfícies onde seria assentado o afresco, sendo o elemento mais importante do grupo, depois, sem dúvida, da figura do pintor, compunham nos séculos XVII e XVIII a equipe que desenvolvia o trabalho para a pintura dos afrescos.

O sucesso desse esquema decorativo dependia, portanto, de uma harmoniosa colaboração entre estes dois especialistas. E, uma vez estabelecida, esta parceria, só era desfeita após a morte de um dos membros.

Em Udine, Tiepolo trabalhou com o quadratura Mengozzi-Colonna, que sempre recebeu os mesmos elogios pelos afrescos em que ambos trabalharam.

ENCOMENDAS FORA DE VENEZA

Com a decadência de encomendas na Veneza setecentista, os artistas são obrigados a procurar trabalho em outras cidades — de preferência onde tivessem direito a pagamentos extras. Após sua primeira experiência fora de sua cidade natal - Udine, Tiepolo passa um longo período fora de Veneza, isso na década de 1730.

Foi nas cidades lombardas de Milão e Bérgamo que Tiepolo, criou alguns de seus melhores trabalhos. Agora cada vez mais famoso, e recebendo grande número de encomendas.

Em 1736 Tiepolo foi convidado à decorar o Palácio Real de Estocolmo, mas recusou, alegando que o pagamento oferecido não era suficiente - o que diz muito sobre o grande prestígio de que desfrutava.

Suas primeiras obras demonstravam um traço pesado como por exemplo 0 Sacrifício de Isaac, mas aos poucos foi desaparecendo, atingindo, já em 1740 uma maturidade artística.

Jovem com Bandolim

Em referência ao grande pintor veneziano do século XVI, famoso pelo suntuoso colorido de sua arte, seus contemporâneos começaram a chamá-lo de "o novo Veronese". Simultaneamente a esta paixão por Veronese na Veneza do século XVIII, renasce um interesse pelo estilo arquitetônico do veneziano Andrea Palladio, seu contemporâneo. É significativo que pelo menos duas obras de Tiepolo inspiradas em Veronese (as da Igreja de Gesuati em Veneza e da Villa Cordellina em Montechio Maggiore) foram executadas em edifícios desenhados pelo arquiteto neopalladiano Giorgio Massari.

O interesse de Tiepolo pela cultura renascentista veneziana fora despertado pela contribuição do perito e conhecedor de arte Francesco Algarotti, este foi o seu maior incentivador. Em 1743 Algarotti foi a Veneza com o propósito de adquirir telas antigas e modernas destinadas à magnífica galeria de arte de Augusto III da Polônia.

Tinha a intenção de expandir essa coleção, de modo a formar uma mostra panorâmica de toda a história da pintura. Algarotti ficou tão impressionado com a obra de Tiepolo que passou a fazer elogios ao seu trabalho em termos que escapavam aos convencionais lugares-comuns.

O Banquete de Cleópatra foi célebre tema do quadro de Tiepollo, que sem dúvida foi Algarotti quem ajudou a encontrar.

Durante o banquete, a rainha egípcia dissolveu uma pérola num copo de vinagre para impressionar Marco Antônio com sua riqueza. Esse foi o pretexto necessário para que Tiepolo pintasse uma festa grandiosa, no estilo Veronese. Uma das maiores e mais conhecidas versões desse tema, pintada por Tiepolo na década de 1740, foi o afresco para a sala de banquetes do Palácio Labia em Veneza. Os Labia, família de mercadores que tinha comprado havia pouco tempo seu título de nobreza, estavam ansiosos por tornar pública sua fortuna. Assim sendo, pouco antes de Tiepolo dar início aos trabalhos, os Labia ofereceram um concorrido banquete. Durante a cerimônia tentaram reeditar o gesto de Cleópatra, jogando no Grande Canal um valiosíssimo serviço de prata. Mais tarde as preciosas peças seriam resgatadas em sigilo, com o auxílio de uma rede de pesca previamente instalada nas águas do canal.

A partir de 1750, Tiepolo já era um artista consagrado. Sua fortuna atingia tão elevadas cifras que, sua irmã tendo falecido em 1752 não lhe deixou nada, alega que "já era rico demais".

Por volta deste mesmo período recebeu uma importante — e rendosa — encomenda: a decoração do palácio do Príncipe-Bispo Carl von Greiffenklau, de Würzburg, na Alemanha, onde teve assessoria de seus dois filhos.

O Palácio, obra-prima do extraordinário arquiteto do rococó, Balthasar Neumann, era o maior e mais suntuoso que todas as construções do gênero que Tiepolo conhecera na Itália.

A sala do trono exibia um deslumbrante teto em estuque branco, vermelho e ouro, e Tiepolo foi convidado para pintar as paredes com motivos que com ele se harmonizassem.

O sucesso foi tanto que lhe encomendaram a decoração da gigantesca abóbada das escadarias. Como já acontecera com outras de suas obras, o vigor e a eloqüência transcenderam o conteúdo temático — aspectos da história de Würzburg e uma alegoria de Greiffenklau subindo aos céus rodeado por admiradores do mundo inteiro.

Retornando à Itália em 1753, Tiepolo começo a trabalhar em afrescos para villas na região de Veneto, onde já trabalhara anteriormente.

Contrastando com os palácios de Veneza, cujo objetivo primeiro era impressionar, as inúmeras villas construídas em Veneto nos séculos XVII e XVIII eram simples residências de verão ou casas de fazenda.

Tiepolo em 1757 adquiriu uma dessas propriedades em Zianigo, nas proximidades de Veneza, e seu filho Domenico a decorou com alegres motivos mitológicos e cenas fantásticas.

Perto de Veneza, na Villa Valmanara, pai e filho pintaram outra série de afrescos, nos anos de 1757 e 1758. O grande poeta alemão Goethe, considerava esses afrescos como os melhores dentro do conjunto de sua obra.

Porém, o artista, retornaria ao seu já consagrado estilo heróico nos afrescos da monumental Villa Pisani em Stra. Foram os últimos que fez para residências venezianas.

Jovem com Papagaio

Em fase de terminar os trabalhos na Villa Pisani, Tiepolo foi convidado por Carlos III da Espanha para trabalhar no Palácio Real de Madri, que ele acabara de construir.

Na primavera de 1762 Tiepolo parte para Madri, na companhia dos filhos Domenico e Lorenzo, embora tenha relutado aceitar o convite, por já não ser jovem e também por relutar em separar-se da família.

OS ÚLTIMOS ANOS EM MADRI

Já na Espanha, os acontecimentos não aconteceram como Tiepolo queria. Tendo pintado o enorme afresco no teto do Palácio Real – Apoteose da Espanha - parecia estranhamente diminuto para as grandiosas dimensões do palácio. Mas não foi só esse fato que acabou sendo imprevisível. Tiepolo encontrou um sério rival, pela primeira vez - Anton Raphael Mengs, célebre artista neoclássico que detinha o posto de primeiro-pintor do rei.

Os partidários de Mengs, sabendo do convite feito ao artista italiano, renegaram Tiepolo a um modesto segundo plano, sob o pretexto de que o Rococó era um estilo ultrapassado. Vivia-se, então, a alvorada do Neoclassicismo.

Misteriosa foi a razão que moveu Tiepolo a permanecer em Madri, mesmo depois de ter concluído os afrescos do palácio.

O monarca espanhol concordou e o encarregou de pintar várias telas para a Capela Real de Aranjuez. Embora, estas obras não tenham sido aprovadas pelo confessor do rei, onde mandou que fossem recolhidas - grande humilhação para Tiepolo, que decorreram por dez anos de frustrações e desencontros, somente tendo sido encerrados subitamente no dia 27 de março de 1770, data de sua morte.

Tiepolo foi enterrado na Capela de San Martín, em Madri.

A arte de Tiepolo permaneceu por mais de um século, onde foi sepultada pela indiferença ou pela franca hostilidade do Neoclassicismo emergente.

Georges Pierre Seurat

2011-11-06T01:00:00.000-07:00

Georges Pierre Seurat nasceu em 2 de dezembro de 1859 na Rue de Bondy, nº 60, em Paris. O pai, Chrysostome-Antoine Seurat, tinha sido antes oficial de diligências em La Villette. Tinha reunido uma pequena fortuna e levou uma vida solitária como reformado na sua casa de Verão, em Le Raincy, ou numa casa na La Villette. Visitava a família, que morava desde 1862 na Boulevard Magenta, nº 110, apenas uma vez por semana. A mãe, Ernestine Faivre, descendia de uma família abastada da classe média Parisiense. O filho tinha uma relação estreita e afetuosa com ela.

Durante o tempo da instrução escolar (1869-1876), Seurat é introduzido na pintura pelo seu tio materno, o comerciante de tecidos Paul Haumonté-Faivre; ele também era um pintor amador.

Entre 1875 e 1877 Seurat freqüenta o Curso de Desenho numa escola estatal noturna, que o escultor Justin Lequien dirigia. Então iniciou uma amizade com Edmond Aman-Jean. Em 1876 estudou a Gramática das Artes do Desenho de Charles Blanc.

Em fevereiro de 1878, Seurat é admitido, juntamente com Aman-Jean, na École des Beaux-Arts e ingressou, em 19 de março, na turma de pintura de Henri Lehmann, um aluno de Jean Auguste Dominique Ingres. Ele estuda os antigos mestres no Louvre.

Em 1879 deixa a École des Beaux-Arts e arrenda com Aman-Jean e Ernest Laurent um atelier na Rue de I'Arbalète. A partir de novembro presta um ano de serviço militar em Brest. Reuniu no seu livro em um livro esboços de figuras e também estudos sobre o mar, a praia e os barcos e ocupou-se do livro de David Sutters sobre Os Fenômenos do Olhar.

Depois de seu regresso de Brest em 8 de novembro de 1880, arrenda um pequeno quarto na Rue de Chabrol, nº 19, perto da casa paterna, onde, até 1886, pinta as suas obras mais significativas.

No ano de 1881 ele lê a teoria das cores de Ogden N. Rood e estuda os quadros de Eugène Delacroix. Empreende inúmeras viagens aos arredores de Paris juntamente com Aman-Jean.

Seurat é apresentado pela primeira e única vez, em 1883, com o desenho o Retrato de Aman-Jean, no Salon Oficial. O pintor encontra no mesmo ano Pierre Puvis de Chavannes.

O primeiro grande quadro de Seurat, Banhistas em Asnières, é recusado pelo Salon em 1884, no entanto, em maio, é mostrado na exposição da 'Société des Artistes Indépendant'. Fora da exposição, Seurat conhece Paul Signac, com o qual em breve se ligará por uma intensa amizade. Em dezembro, são expostos os primeiros estudo de Um Domingo à Tarde na Ilha da Grande Jatte na 'indépendants'.

Em março de 1885, após Seurat ter trabalho o inverno inteiro em Um Domingo à Tarde na Ilha da Grande Jatte, ele o acaba. O pintor é introduzido por Signac na vanguarda artística e no círculo dos literatos Simbolistas.

Na oitava e última exposição dos Impressionistas, em 1886, Seurat expõe Um Domingo à Tarde na Ilha da Grande Jatte. O crítico de arte Félix Fénéon comenta a técnica e o estilo de Seurat no quadro com uma crítica extremamente objetiva. Ele conhece através de Fénéon o jovem matemático e teórico de arte Charles Henry, cujas teorias o impressionam bastante.

A 26 de agosto, é aberta a exposição dos 'indépendants', na qual ele mostra dez obras, entre as quais Um Domingo à Tarde na Ilha da Grande Jatte. É convidado pelo poeta Émile Verhaeren para a próxima exposição do grupo de vanguarda de Bruxelas Les Vingt. Durante o Outono trabalha em Os Modelos no seu novo atelierem Boulevard de Clichy, 128 b.

Em 2 de fevereiro de 1887, Seurat participa, em Bruxelas, com Signac na abertura do Salon dos Les Vingt, onde expõe sete quadros, entre os quais Im Domingo á Tarde na Ilha da Grande Jatte. Iniciado por Signac, forma-se o grupo dos Neo-Impressionistas, no qual os artistas decidem trabalhar a tecnica do pontilhismo.

Como Albert Dubois-Pillet, Charles,Angrand, Maximilien Luce e outros. Em março, Seurat mostra nos Indépendants estudos do seu novo quadro Os Modelos. No verão, trabalha neste quadro e em A Parada no Circo, que é influenciado pela estética de Henry. Em Janeiro de 1888 , Seurat e seus amigos expõem nas salas da Revue Indépendant que é dirigida por Pénéon. O pintor passou o verão em Port-en-Bessin na Normandia, onde produz inúmeros quadros sobre o mar.

Em fevereiro de 1889, Seurat participou na renovada exposição da reunião dos artistas Les Vingt. Irritado com desavenças internas, começa a afastar-se dos seus amigos. Conhece Madeleine Knobloch e vai morar com ela, a partir de Outubro, num atelier na Passage de I'Élysée-des-Beaux-Arts. Em 16 de Fevereiro de 1890, nasce o filho Pierre George. Nos Independants, Seurat expõe Le Chahut e Jovem a Empoar-se, um retrato de Madeleine Knobloch. Na publicação dirigida por Fénéon Les Hommes d'Aujourd'hui, Jules Christophe dedica um caderno ao pintor.

Seurat passa os meses de Verão em Gravelines, no Mar do Norte, onde pinta novos quadros sobre o mar. Em 7 de Setembro de 1891, o Salon do grupo Les Vingt abre em Bruxelas com, entre outros, Le Chahut e seis paisagens de Seurat. A 16 de Março, Seurat mostra no Salon des Indépendas. O Circo, ainda inacabado. Seurat Morre a 29 de março de 1891, com uma angina infecciosa. Dois dias depois é enterrado no cemitério parisizense Père Lachaise. Pouco depois morre o seu filho Pierre, com a mesma infecção que vitimou Seurat.

A 3 de Maio, no atelier de Seurat, o espólio é inventariado por Paul Signac, Macimilien Luce e Félix Féléon. Madeleine Knobloch fica com alguns quadros de herança. Depois de desavenças, ela atasta-se para sempre da familia de Seurat.

Frans Janzoon Post

2011-11-04T01:00:00.000-07:00

Chegou ao Brasil em 1637, integrando a comitiva de Maurício de Nassau. Fixou-se inicialmente no Recife. Em seteanos de Brasil, pintou paisagens de Pernambuco, e possivelmente da Paraíba e de Alagoas.

Alguns desses trabalhos foram executados de memória, já na Holanda, em 1644. Por iniciativa do Ministério daEducação e Cultura, em 1942 realizou-se no Rio de Janeiro uma exposição de sua obra. Na II Bienal de São Paulo, em 1953, suas paisagens estiveram presentes na exposição A Paisagem Brasileira até 1900, organizada por Rodrigo Mello Franco de Andrade. A seu respeito, escreveu José Roberto Teixeira Leite no livro A pintura no Brasil holandês, de 1967: “Nos quadros executados no Brasil conseguiu Frans Post traduzir todo o pitoresco, sem deixar de ser pictórico, daí o seu valor.

E embora se subordinasse fielmente à realidade, soube evitar o excesso de detalhes meramente esdrúxulos, aquele acúmulo de elementos curiosos que sobrecarregariam o quadro, comprometendo-o irremediavelmente.” Em 1992, uma paisagem brasileira de sua autoria (óleo s/madeira, cerca de 1650) integrou a mostra Natureza: Quatro Séculos de Arte no Brasil, no Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro.

Sua obra esteve presente na sala da XXIV Bienal de São Paulo (1998) dedicada aos séculos XVI, XVII e XVIII.

Frans Hals

2011-11-02T01:00:00.000-07:00

“Um dos maiores retratistas da história da pintura, o holandês Frans Hals cumpriu um destino comum a outros grandes nomes da pintura: o extraordinário talento convivendo com intermináveis problemas financeiros. Nascido por volta de 1580 em Antuérpia, ele arrastou uma vida quase pacata em Haarlem, no norte dos Países Baixos, e pouco se preocupou, durante sua carreira, com o estilo e as realizações dos grandes mestres italianos de sua época — como fez, por exemplo, seu contemporâneo Van Dyck. Criador, entre outras, de telas memoráveis como Cavaleiro Sorridente, talvez o mais admirado retrato do mundo depois da Mona Lisa, Hals foi, em essência, um autodidata responsável, com seus belos retratos, pela criação de uma pintura independente em seu país.”

Hals viveu e trabalhou sempre em Haarlem. Retratista de sucesso junto a figuras ilustres da sociedade, enfrentou contínuas dificuldades financeiras e morreu na mais completa miséria.

Cavaleiro Sorridente - 1624

Frans Hals nasceu em Antuérpia entre 1581 e 1585, filho de Franchoys Hals, operário têxtil de Mechelen, e de Adriaentgen van Geertenrijck, de Antuérpia. Não se sabe ao certo quando seu pai foi para Antuérpia ou quando se casou, mas parece que o casal não permaneceu na cidade por muito tempo, pois em 1591 eles se transferiram para Haarlem, importante centro da região norte do país.

E provável que a família tenha se transferido para Haarlem em 1585, ou pouco tempo depois, quando a protestante Antuérpia caiu nas mãos das forças católicas espanholas. A Espanha restabeleceu o catolicismo em Antuérpia e os protestantes tiveram o prazo de 5 anos para concluir seus negócios e abandonar a cidade. Em 1585, Franchoys se declarou católico, mas pode ter sido apenas uma tática. Tal como muitos de seus contemporâneos, é possível que a família tenha se mudado para o norte por motivos religiosos. A religião oficial das províncias setentrionais era a da Igreja Reformada, apesar de outras religiões também serem toleradas. A mudança para Haarlem, no entanto, foi motivada principalmente por questões de ordem financeira. Logo após a vitória espanhola, os holandeses praticamente romperam os laços comerciais com Antuérpia com o bloqueio do rio Scheldt. Com a invasão, mais de 600 trabalhadores das tecelagens migraram com suas famílias para Haarlem, que possuía um ativo parque industrial têxtil. E os Hals, com certeza, estavam entre eles.

Retrato de um casal - 1622

UM BREVE CASAMENTO

Os primeiros anos passados em Haarlem permanecem ainda um mistério. Um biógrafo anônimo do artista maneirista Karel van Mander incluiu o "retratista Frans Hals" na lista dos seus discípulos. Mas o próprio Van Mander jamais declarou ter ensinado a Hals, embora tivesse mencionado três outros alunos em seu Schilderboeck (Livro dos Pintores), publicado em 1604. Parece que Van Mander relutava em aceitar uma associação com Hals. Certamente os dois homens não tinham muitos pontos em comum, pelo menos no plano artístico.

A primeira referência documentada sobre Hals aparece em 1610, ano em que ele passou a integrar a Associação de São Lucas de Haarlem. Foi provavelmente nesse ano que se casou pela primeira vez. Sua mulher, Annetje Harmansdr, deu-lhe dois filhos — o primeiro, de nome

Harmen, foi batizado no dia 2 de setembro de 1611. O casamento não durou muito, pois Annetje morreu em 1615. Foi enterrada como indigente — primeira indicação das dificuldades financeiras que iriam abalá-lo durante toda sua vida.

OITO FILHOS, MAIS DÍVIDAS

As primeiras obras de Hals também datam de 1610, quando contava cerca de 30 anos. Mesmo considerando-se os inúmeros trabalhos desaparecidos do início da carreira, alguns fatos sugerem que Hals atingiu a maturidade artística relativamente tarde, pois foi só depois de 1616 que recebeu sua primeira encomenda importante: um retrato de grupo que denominou Banquete dos Oficiais da Companhia Cívica de São Jorge. Haarlem possuía duas milícias, formadas em estrutura militar, mas exercendo uma função predominantemente social. Ficaram famosas por seus longos banquetes — em 1621 foi criada uma lei que estipulava que esses banquetes deveriam durar no máximo três ou quatro dias. Hals se filiou à milícia de São Jorge — uma exceção, pois os sócios desta pertenciam, na maioria, às classes dominantes. O pintor chegou a retratar-se entre os oficiais num quadro que pintou em 1639. Hals convivia bem com a milícia, e soube captar, nos quadros, a alegre camaradagem ali existente.

Hals casou-se novamente em 1617. Sua segunda mulher, Lysbeth Reyniers, era uma camponesa de temperamento explosivo e sabe-se que esteve envolvida em constantes brigas. Teve, pelo menos, oito filhos com o artista, três dos quais também se tornariam pintores. Essa família em constante crescimento deve ter sido uma das causas das dificuldades financeiras de Hals. Embora um retratista de indubitável êxito, Hals não conseguia saldar suas dívidas e, por essa razão, costumava fazer trabalhos eventuais de restauração de telas, além de negociar arte para suprir as necessidades da família. Em 1616 foi chamado a um tribunal para esclarecer atrasos no pagamento do tutor de seus filhos do primeiro casamento. Durante a década de 1630 foi processado por seu senhorio e pelo sapateiro e, em 1654, um dos padeiros da cidade conseguiu confiscar sua propriedade em virtude do não pagamento de uma conta. Os bens que o pintor salvou foram poucos: três camas, travesseiros, roupas brancas, um guarda-louça e uma mesa de carvalho, além de cinco quadros, inclusive um de Van Mander.

A Jovem Cigana – 1628/30

UM TEMPERAMENTO OBSTINADO

Hals tinha um caráter rebelde e independente. Em 1636, já atolado em problemas financeiros, recusou-se a concluir uma encomenda altamente lucrativa, a de retratar uma milícia de Amsterdam, simplesmente porque não queria afastar-se de Haarlem nem mesmo para uma viagem curta até Amsterdam. Como os membros se recusassem a vir ao seu encontro, Hals abandonou os pincéis e o quadro teve que ser concluído por um outro artista.

A familia Hals carregava a marca da animosidade e do temperamento exaltado. Em 1608, um irmão de Frans, Joos, foi multado em Haarlem por insultar os guardas da cidade e por apedrejar um transeunte. Mais tarde, por volta de 1640, Sara, filha de Frans, foi internada num reformatório para uma reeducação moral — segundo os padrões da época — pois dera à luz um filho ilegítimo. E parece que Hals, além disso, bebia demais.

Os anos de 1630 foram os mais bem-sucedidos para o pintor. Por essa época ele vivia absorvido com inúmeras encomendas de retratos, tanto individual como em grupos, e recebeu uma proposta para pintar mais três peças para a milícia. Seus modelos incluíam pessoas dos mais altos escalões da sociedade — governantes, conselheiros, comerciantes, intelectuais e membros da guarda civil. Por volta de 1649, ele começou um retrato do famoso filósofo francês René Descartes. Hals dirigia também, nessa ocasião, um estúdio de renome — onde jamais utilizou os alunos como assistentes. Poucos deles, por sinal, foram capazes de imitar seu estilo singular. De qualquer forma, entre esses discípulos estavam alguns dos mais famosos nomes da pintura holandesa, como seu irmão Dirck e o brilhante Adriaen Brouwer. A talentosa Judith Leyster também sofreu influência de Hals e possivelmente foi sua aluna.

O Alegre Beberrão – 1628/30

NOVAS DIFICULDADES FINANCEIRAS

O êxito artístico de Frans Hals prosseguiu até o fim de seus dias, mas as encomendas sofreram uma ligeira queda a partir de 1640 — talvez um reflexo do crescente entusiasmo, entre os holandeses, pelo estilo elegante de Van Dyck. Apesar do sucesso, porém, ele não se livrava dos problemas financeiros. Em 1661, a Ordem de São Lucas isentou-o do pagamento de seus débitos e em 1662 ele teve que pedir ajuda aos conselheiros da cidade. A partir do ano seguinte, passou a receber um subsídio anual de 200 florins, e em 1664 deram-lhe três carregamentos de turfa, um material combustível, para acender o fogo nas noites de inverno.

Velho, com quase 80 anos, Hals não abandona os pincéis. Sua mão ainda é firme e a disposição não lhe foge. E durante os últimos anos que produz alguns de seus melhores retratos, como As Regentes do Asilo de Velhos, com uma impressionante visão da velhice. Hals espera a morte, seus personagens também. Aqui, as mulheres apenas parecem aguardar que o tempo se escoe. As pinceladas soltas e os contornos por vezes indefinidos anunciam dramaticamente a destruição da matéria. Hals morre com mais de 80 anos, a 29 de agosto de 1666. Os holandeses sepultaram seus restos mortais na Catedral de São Bavo, em Haarlem.

Francisco Aurélio de Figueiredo e Mello

2011-10-30T01:00:00.000-07:00

Escultor, desenhista, caricaturista. Francisco Aurélio de Figueiredo e Mello (Areia PB 1854 - Rio de Janeiro RJ 1916) estuda na Academia Imperial de Belas Artes, Aiba, no Rio de Janeiro, sob a orientação de seu irmão, o pintor Pedro Américo, e de Julio Le Chevrel.

Em 1871, publica suas primeiras caricaturas no Rio de Janeiro, em A Comédia Social. Colabora como caricaturista na Semana Ilustrada, 1873 e 1875. Entre 1876 e 1878, reside em Florença (Itália) e trabalha no ateliê do irmão, estudando com Antonio Ciseri, Nicola Borabino e Stefano Ossi, pintores de história, gênero e retrato. Entre 1878 e 1879, colabora com o periódico Diabo a Quatro, em Recife. Vence um concurso instituído pela Folha Nova de São Paulo com o romance Missionário. Recebe o título de Cavaleiro da Ordem da Rosa, no Rio de Janeiro, em 1884. Expõe individualmente no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, em 1912.

Entre as mostras das quais participa, destacam-se Desenho Figurado, na Aiba, Rio de Janeiro, 1871; Exposição Geral de Belas Artes, Rio de Janeiro, 1884; Retrospectiva, no Museu Nacional de Belas Artes, MNBA, Rio de Janeiro, 1956; Retrospectiva da Pintura no Brasil, no MNBA, 1948; Um Século de Pintura Brasileira, no MNBA, 1952; Bienal Internacional de São Paulo - Sala de Paisagem Brasileira até 1900, São Paulo, 1953; Dezenovevinte - Uma Virada do Século, na Pinacoteca do Estado de São Paulo, Pesp, 1986.

Eugène Henri Paul Gauguin

2011-10-28T01:00:00.000-07:00

Gauguin nasceu em Paris e trabalhou como marinheiro mercante e corretor de ações antes de abraçar a carreira de pintor. Embora Gauguin tenha ficado conhecido como um pintor pós-impressionista, seus estudos de arte começaram com o pintor impressionista Camile Pissarro.

O período posterior a 1880 registra uma mudança radical na pintura do artista, que o conduziu aos estágios primordiais do pré-impressionismo. Gauguin rejeitou a teoria impressionista do efeito momentâneo que a luz produz sobre os objetos e partiu para a pesquisa de cores e simplificação das formas. Ele também desenvolveu a técnica do "sintetismo", um estilo de representação simbólica da natureza onde são utilizadas formas simplificadas e grandes campos de cores vivas chapadas.

Depois de uma breve colaboração com Van Gogh e Cézanne, Gauguin mudou-se para a Polinésia. Lá, ele trabalhou incessantemente, inspirado pelos temas regionais das florestas do Taiti que o cercavam. Sua tela mais famosa, "De Onde Viemos? O Que Somos? Para Onde Vamos?", foi pintada nessa época e é a maior e mais clara expressão do "sintetismo" de Gauguin. Outras pinturas feitas durante este período prenunciam o simbolismo e o fauvismo que viriam a seguir.

Infelizmente, Gauguin só foi reconhecido como um pintor de grande importância após a sua morte, em 1903.

Eugène Delacroix

2011-10-26T01:00:00.000-07:00

Pintor francês. Filho de boa família, segue estudos artísticos e desfruta de bons mestres. Em 1825 viaja paraLondres, onde a sua obra é muito bem recebida. Em 1832 viaja por Espanha e pelo Norte de África, difundindo na Europa a moda da temática moura. Homem bem considerado na sociedade francesa do seu tempo, recebe importantes encomendas, foi amigo íntimo de Chopin, ingressa no Instituto de França... Também a sua obralitográfica é notável (ilustrou Hamlet e Fausto). Após a restauração dos Bourbons surgem os concursos pictóricos anuais de Paris (os Salões). No de 1824, Delacroix apresenta Les massacres de Scio. O vivo contraste desta obra, que apresenta um vigoroso desenvolvimento das características da pintura romântica, com a ditadura neoclássica, desencadeia uma apaixonada oposição do seu principal representante, Ingres. Mas lentamente impõe-se o novo gosto, e o mundo antigo passa para segundo plano, substituído pela Idade Média e o Próximo Oriente. Delacroix representa o cume da pintura romântica. É um apaixonado da vitalidade, da exuberância e do esbanjamento de cores, como Rubens ou Rembrandt. De facto, na obra de Delacroix a cor é mais importante que o desenho.

Os temas escolhidos por Eugène Delacroix refletem diretamente a sensibilidade romântica. Les massacres de Scio éum canto ao heroísmo do povo grego na sua luta pela independência. La mort de Sardanapale é uma rica cena oriental. O mundo árabe está presente em muitas outras obras suas, entre as quais sobressai Femmes d’Arger dans leur appartement. Entrée des croisés à Constantinople é de inspiração medieval. Mas o seu quadro mais famoso é La Liberté guidant le peuple, também conhecido por Le 28 Juillet, alegoria da revolução de 1830.

Estêvão Roberto da Silva

2011-10-24T01:00:00.000-07:00

Pintor e professor, Estêvão Roberto da Silva matricula-se na Academia Imperial de Belas Artes, onde torna-sediscípulo de Vítor Meirelles, Agostinho da Motta e Jules le Chevrel, em 1864. Por volta de 1880, torna-se professor noLiceu de Artes e Ofícios do Rio de Janeiro.

Entre as exposições de que participa, destacam-se: Exposição Geral de Belas Artes, Rio de Janeiro, várias ediçõesentre 1876 e 1890 (premiado em 1879/1884/1890); Exposição da Sociedade Propagadora das Belas Artes, naSociedade Propagadora de Belas Artes, Rio de Janeiro, 1882.

Após sua morte, sua obra figura nas mostras: Dezenovevinte: Uma Virada no Século, na Pinacoteca do Estado de São Paulo, 1986; A Mão Afro-Brasileira, no MAM/SP, 1988; Pintores Negros do Século XIX, na Pinacoteca do Estadode São Paulo, 1993.

El Greco

2011-10-22T01:00:00.000-07:00

El Greco (1541 - 1614), um dos maiores pintores do mundo, tinha o nome de Domenikos Theotokopoulos e nasceu em Creta, mas realizou na Espanha a maior parte de sua obra, onde era conhecido como El Greco. Ele era um mestre do desenho, sua pintura combina a elegância cortesã com fervor religioso. Distorcia intencionalmente as formas para chamar atenção para a qualidade espiritual de uma figura ou de um acontecimento. Seus santos constituem fantásticas criações de sua imaginação. Seus retratos de nobres, entretanto, mostram-se elegantes e realistas.

El Greco deixou Creta apara estudar em Veneza com Tintoretto e outros mestres. Sua obra madura baseia-se na versão veneziana do estilo chamado de Maneirismo, estilo que caracteriza-se pela graça das linhas, formas alongadas e abstratas e cores metálicas com relevos brancos.

Em busca de um patrono, foi para Roma em 1570 e para Toledo, na Espanha, em 1577. O Rei Filipe II, da Espanha, não gostou de seu grande Martírio de São Maurício e o pintor nunca obteve um favor real. Em Toledo, criou uma série de grandes pinturas e retratos religiosos. Sua obra-prima, O Enterro do Conde de Orgaz, foi pintado em 1586. Nela, o desenho realista contrasta com as formas abstratas.

De 1600 a 1614, as pinturas de El Greco tornaram-se quase barrocas na composição, mas na distorção da luz, do espaço e da forma continua completamente pessoal. Algumas de suas obras tiveram grande influência sobre os pintores expressionistas do século XX.

Edouard Manet

2011-10-20T01:00:00.000-07:00

Edouard Manet, pintor francês, é considerado a figura senior dentre os artistas impressionistas. Manet estudou as obras do artista holandês Frans Hals, na Holanda, em 1872. Hals ensinou-lhe a liberar suas pinceladas e pintar com maior energia e verve. Essas técnicas proporcionaram a base para que Manet configurasse entre os fundadores do movimento impressionista.

Uma das obras mais significativas de Manet é o "Luncheon on the Grass", que retrata uma modelo nua na presença de dois homens. Esta peça provocou e ofendeu os críticos da época, que a acusaram de pornográfica e imoral. O Salon, uma das mais influentes galerias de Paris naquela época, recusou-se a exibir a obra. No entanto, ela tornou-se um dos mais importantes trabalhos de arte ao ser exposta no Salon des Refuges, uma galeria especialmente voltada à exibição de trabalhos rejeitados de grandes artistas.

Muitos dos jovens impressionistas daquela época seguiram a liderança de Manet e abandonaram os tradicionais estilos artísticos até então adotados. Esta tendência serviu, em alguns casos, como inspiração para a arte moderna.

Domingos Garcia y Vasquez

2011-10-18T01:00:00.000-07:00

Chegou ao Brasil em 1871. Em 1879 matriculou-se na Academia Imperial, onde permaneceu durante cinco anos. Mais tarde tornou-se aluno brilhante de Georg Grimm, em suas sessões de pintura ao ar livre em Niterói.

Fixou residência em Niterói em 1884. De 1885 a 1888 estudou com Hanoteau e Harpignies, na França. De volta ao Brasil, sua pintura não despertou a mesma atenção de antes. Introspectivo por natureza, pobre e deprimido, abandonou a arte passando a se dedicar à pesca e a longas caminhadas pela praia.

Suicidou-se dentro de um cinema da Rua da Carioca, no Rio de Janeiro. Participou das exposições gerais da Academia Imperial, tendo conquistado medalha de ouro em 1884.

Gonzaga Duque escreveu sobre sua pintura: "Esse pintor que por tão longo tempo persistiu na obscuridade de uma voluntária existência humilde, é das melhores organizações artísticas que contamos entre contemporâneos. A sua visão apreende sinteticamente, o seu colorido é quente e ao mesmo tempo sóbrio, a sua maneira original.

Não reproduz unicamente, interpreta, entra na expressão da natureza, funde-a com a sua alma.”